Базовые акварельные техники для начинающих. Условная классификация акварельных техник.

Акварельные краски были известны еще в древнем Египте, в древнем Китае и странах античного мира. Долгое время письмо ими считалось лишь одной из составляющих графического рисунка. Живопись акварелью в современном ее представлении возникла сравнительно недавно: в конце XVIII – начале XIX вв. Тогда она приобрела независимость и стала одной из самых сложных техник рисования.
Существует множество различных приемов исполнения акварельных работ. Эти способы можно выделить и классифицировать лишь условно, в зависимости от определенных факторов.

Условная классификация акварельных техник

Прежде чем вы начнете, вам необходимо освоить основные техники рисования акварелью:

Техника “мокрым по мокрому”

Этот метод предполагает нанесение влажной краски на влажный фон, чтобы разбавить ее, но при использовании данной техники вам придется точно рассчитывать время!

Лучший способ смачивания бумаги – использование натуральной губки. Этот способ намного быстрее, чем смачивание кистью, плюс им гораздо легче можно определить, насколько влажная ваша бумага. Осторожно сделайте несколько мазков краской, чтобы посмотреть, в каком направлении она потечет. Если вы обнаружите, что краска растекается слишком быстро, подождите несколько минут, чтобы бумага немного подсохла, а затем рисуйте максимально быстро, прежде чем она станет слишком сухой.

Техника алла прима мокрым по сухому

Художники обычно используют эту технику для создания углов. Если вам нужно заострить края на вашей картине, надо подождать полного высыхания всей уже нанесенной краски, прежде чем делать другие мазки. Если краски полностью высохли, то картина останется такой же, как вы ее нарисовали. Если они высохли не полностью, новый слой смешается с изначальным (это делается намеренно, когда вы рисуете в стиле «мокрым по мокрому»).

Техника «сухой кисти»

Рисование сухой кистью – это прекрасный способ добавления деталей на вашу картину. Кончик кисточки должен быть смочен, но не перегружен краской. Сама краска должна быть достаточно жидкой, чтобы попадать на бумагу при небольшом давлении не растворения при этом слой краски под ней. Цель такого рисования состоит в создании или смешивании цвета короткими точными касаниями и удобной работе с грубой бумагой.

Техника рисования лессировками

Многослойная акварельная живопись (Лессировка).
Этот прием заключается в нанесении нескольких (рекомендуют 2-3) слоев краски по сухой поверхности листа бумаги. Картина в этом случае приобретает некоторую «сухость» по сравнению со сделанной «по сырому», но художник может добиться высокой детализации предметов. Этот прием еще называют "лессировкой". Лессировка - нанесение тонкого прозрачного слоя краски поверх уже имеющегося рисунка. Лессировку можно использовать как на малых, так и на крупных участках работы.
Лессировка*  – (от нем. Lasierung) – один из приемов живописной техники, состоящий в нанесении очень тонких слоев прозрачных и полупрозрачных красок поверх высохшего плотного слоя. Основное значение данного приема – достигать особой легкости и звучности тона или вносить тонкие цветовые коррективы в детали живописи, что возможно благодаря законам оптического смещения.

Отсутствие белой краски

Ни для кого не секрет, что в акварели отсутствуют белила. Белый цвет передается за счет цвета бумаги. Другими словами - художнику все время нужно помнить о тех участках, которые он должен оставить белыми и "обходить" их цветом, оставляя нетронутыми.

Такой прием называют «резерваж». Сейчас продаются специальные материалы на основе латекса, которые помогают защитить необходимые участки листа. Называются они "маскирующая жидкость для акварели" или "изолирующее средство для акварели".

Парафин

Свойство парафина не смачиваться водой позволяет «защитить» некоторые участки бумаги от краски. Данный прием может использоваться на любой стадии работы (как на чистом листе, так и по уже нанесенному рисунку), но, в любом случае, основа должна быть сухой. В качестве современных альтернатив парафину существуют разнообразные резервирующие средства. Некоторые художники пользуются для этих целей простым резиновым клеем.  

Соль

Соль (как крупная, так и мелкая), рассыпанная по сырой акварели неравномерно разъедает краску и создает на пятне особую фактуру. Этот прием эффективен по первому слою краски. Когда работа высохнет соль можно удалить сухой тряпкой или даже рукой.

Черешок кисти/мастихин

Пока работа еще сырая некоторые детали можно просто “процарапать” черешком (обратной стороной) кисти либо мастихином (художественным шпателем).

Прием монотипии

Монотипия – графическая техника суть которой заключается в получении единственного уникального отпечатка от живописной или графической основы. Для акварельных листов, сделанных в технике монотипии, свойственно богатство фактур, произвольность цветовых пятен, необычность световых соединений.
Разновидностями этого способа являются приемы отлипов от разных поверхностей (целлофан, ткани, птичьи перья и т.д.)

Пастозное письмо по-сырому  

Использование этого приема позволяет выявить такие особенности акварельных красок, как самосоединение пятен, возможности растяжки цвета. Лучше использовать толстые сорта бумаги. Лист смачивается с двух сторон губкой или опускается в воду, пока он не наберет влагу,  затем кладется на оргстекло или пластик. Легким движением бумага расправляется, выдавливаются воздушные пузыри и лишняя вода. Работа ведется в один прием по горизонтальной поверхности. Краски не должны быть жидкими. Хорошо подходят краски в тубах После работы лист перекладывается на фанеру или картон. При таком способе письма возможно применение эффекта соли, или предварительной обработки поверхности листа парафином, а также способы процарапывания черенком кисти или выбирание краски лезвием. 

Поддержи проект!

Одна «чашка кофе» поможет существовать проекту целый месяц! Если вам нравится рисование, и наши статьи оказались вам полезны, поддержите нашу школу рисования!

Paypal:

paypal.me/ghenadiesontu

Яндекс.Деньги:

4100116350573968

Виды холстов для живописи, какой выбрать?

Выбор холста, наверное, одно из самых трудных заданий для начинающего художника. Холст — это основа для Вашего шедевра, и если выбрать холст неправильно, то и шедевр может получится «не правильным» или попросту не получиться. Выбирая холст Вы как бы наперед уже определяете технику и способ написания картины. В чем секрет? Давайте рассмотрим поподробнее что такое холст и как же его правильно выбрать.

Холст Из хлопка

Холсты из хлопка на сегодняшний день, наверное, самые распространенные и пользуются постоянным спросом. Выбрав хлопковый холст, вы не прогадаете, материал «послушный», на нем приятно и удобно писать картины в любой технике маслом. Насколько мне известно первыми холсты из хлопка начали использовать в США, только в прошлом веке. Как понимаете им нет еще и века, значит невозможно проверить насколько они долговечны.

Льняной холст

Выбрав холст из льна Вы повторите старых мастеров, которые писали свои шедевры только на льняных холстах. Лен зарекомендовал себя как лучший материал для холста. Картины на льняных холстах пишутся уже не одно столетие, в отличии от хлопка который как материал для холста появился не так давно. Выбор льняного холста для живописи является среди художников «благородным» и самым хорошим.

Есть три вида зернистости холстов. На каждом холсте написано какая у него зернистость. Как в них разобраться и какая лучше?

• мелкозернистый холст. Такие холсты отличаются своей почти гладкостью, зернистость холста очень мелкая и от того его сейчас выбирают не многие. На таких холстах хорошо писать лессировками, накладывая один слой краски за другим. Хороший выбор если вы хотите написать портрет.

• среднее зерно холста. А вот холст со средним размером зерна, за частую один из самых востребованных. На таких холстах удобно писать пастозно, а также можно писать лессировками.

• крупнозернистый холст отлично подойдет для работы мастихином. Такой холст хорошо держит фактурную живопись без видимой деформации.

Какой выбрать холст, загрунтованный или нет?

1) Какие негрунтованные холсты являются самым лучшими ?

2) Чем лучше проклеивать негрунтованный холст?

Негрунтованный холст нужно покупать исключительно плотный и без узлов.

Редкие узловые холсты долго не живут, даже несмотря на их качественную проклейку и грунтовку. Удивительно, но многие классики еще советской техники живописи в своих работах полувековой актуальности неоднократно упоминали об этом обстоятельстве, однако наша классическая школа упорно не хочет видеть проблемы, сводя ее решение к большему нанесению клея и грунта на холст, что категорически неверно и не решает проблемы прочности живописи.

Если вы предпочитаете негрунтованные холсты, то наверняка должны были слышать о бельгийском льне. Если вы о нем до сего момента не слышали, то, уверяю вас, о негрунтованных холстах вы ничего не знаете и вам придется постригать их мир заново.

Так вот, не существует никакого списка лучших негрунтованных холстов. Он только один - это холст из бельгийского льна.Почему так? Потому что только бельгийский лен в его необработанном (грубом) виде, именно как сорт льна, лучше всего подходит для последующей ручной проклейки и грунтовки. Из-за своих прекрасных исходных данных ему не требуется никакая дополнительная обработка. Это самый чистый натуральный экологичный лен для живописи.
В принципе, приобрести бельгийский лен можно как непосредственно у бельгийских производителей, так и у многих европейских производителей. Из бельгийского льна изготавливают львиную долю всего текстиля Европы. Практически все итальянские, французские и голландские производители используют в своем производстве как раз бельгийский лен.

Выбираем грунтованный холст

Меня поражает, что до сих пор в интернете нет практически ничего про то, на чем же пишет наш любимый родной российский художник. Итак, речь пойдет о российских отечественных холстах, а точнее том, что они представляют из себя на самом деле. Сразу скажу, я не буду заниматься анализом каждого производителя и начну разу с приговора - все без исключения российские холсты (включая Белоруссию) категорически непригодны для профессиональной живописи!

Для начала давайте разберёмся, что же такое некачественный холст с точки зрения долговечности живописи?

Некачественный холст - это холст, который обладает большим числом узелков, имеет неплотное (рыхлое) плетение, обладает неоднородной (колючей, ломкой) поверхностью, подвергался химической обработке (здесь не рассматриваю). Достаточно иметь хотя бы один из вышеназванных недостатков, чтобы смело отнести холст к некачественному.

Давайте отдельно разберем недостатки.

• Узелки - это места скрепления так называемой тонкой короткой нити (не следует с зацепами). Узелки - самый заметный показатель некачественного холста. Их никак не скроешь. Мало того, что писать за узловом холсте попросту неудобно, так еще узелки приходится срезать и в местах среза нить становится и вовсе не закрепленной.
  Чем опасны узелки на холсте? Узелки - это самая уязвимая часть нити полотна, именно в местах узелков начинаются все процессы распада холста.

• Неплотность холста - результат техники плетения и зависит от технологический возможностей производителя. Плотность холста является основной характеристикой его качества и измеряется в гр./м2 (вес 1 квадратного метра полотна, выраженная в граммах). Чем плотнее плетение холста, тем он более качественней и дольше прослужит.
  По общему правилу, чем больше плотность холста, тем больше его зерно.

• Мелкозернистый холст обладает меньшей плотностью, среднезернистый - средней плотностью, а крупнозернистый холст соответственно обладает наиболее высокой полностью. Однако не стоит полагать, что мелкозернистый холст плотностью 250 гр./м2 хуже по качеству крупнозернистого холста с плотностью 500 гр./м2. Существует еще такое понятие, как толщина самой нити, которая влияет на общую плотность полотна. Естественно, для мелкого зерна толщина нити будет меньше, чем для крупнозернистого холста. Поэтому для каждого типа зернистости холста существует своя достаточная плотность.
  Для холстов из льна плотность мелкого зерна должна составлять 200-300 гр./м2, плотность среднего зерна 300-400 гр./м2, плотность крупного зерна 500-600 гр./м2 Верхняя граница плотности может быть выше указанных диапазонов, но не меньше. Если плотность для указанного типа зернистости ниже хотя бы на 50 гр./м2 это повод задуматься о качестве холста.
  Однако из вышеприведенных нормативов все же существуют популярные исключения. Так, например, некоторые крупнозернистые холсты обладает плотностью 300-400 гр./м2, что соответствуют уровню среднезернистого холста. Почему так? Потому такие холсты обладают специфической фактурой, которую невозможно изготовить плетением более высокой плотности, то есть сама фактура холста обусловила ему меньшую плотность. Означает ли это, что такие холсты менее качественные? Да, прочность такого крупнозернистого менее плотного холста будет хуже, чем крупнозернистого холста с плотностью 500 гр./м2, но производитель идет на это в угоду интересам художников, поскольку такая фактура пользуется популярностью.
  Так что же с плотностью российских холстов? Все также очень плохо. Реальная плотность существенно ниже указанных нормативов. Более того, плотность часто не указывается вовсе либо производители указывают плотность холста уже с грунтом, что вводит в заблуждение покупателя, поскольку с грунтом плотность любого холста будет естественно больше.
  Неплотные (редкие) холсты являются самыми худшими холстами из возможных, даже если они состоят из чистого 100% льна! Такие холсты требуют чрезмерной проклейки и грунта, а чрезмерная проклейка и грунт катастрофичны для прочности живописи.
  Более того, холст постоянно меняет форму (то сжимается, то разжимается), поскольку впитывает и испаряет влагу из воздуха, поэтому неплотные холсты "гуляют" в несколько раз активнее плотных холстов, и из-за чего живопись на них разрушаются еще быстрее.
  Неплотному (рыхлому) холсту не поможет даже самый качественная проклейка и грунт: масляный ли это грунт, эмульсионный, акриловый или какой-либо иной не имеет никакого принципиального значения! В процессе своего "гулянья" такой холст разрушает как твердый, так и эластичный грунт, только с разной скоростью.

• Неоднородность холста - это поверхность холста большим количеством пятнышек (как правило желтоватых), выступов, заусенцев. Возникают эти эффекты в том случае, если нить изготавливалась из низкосортного льна и его смесей. Отдельно рассказывать про это не имеет смысла, поскольку в 90% случаев все эти признаки присутствует у холстов с узелками.

 Итак, что мы имеем в итоге? Российские холсты категорически непригодны для долговечной живописи и часто начинают распадаться уже по истечению 10 лет. Сначала этот процесс никак особо не проявляется, поскольку является сугубо внутренним, но со временем все выходит наружу.
Причем, еще раз повторяю: процесс распада некачественной нити неизбежен и не зависит от грунтовки или проклейки, хотя многие художники этого не понимают и часто пеняют на грунт или сами краски. Но причина только в некачественном холсте.
Отдельно отмечу, что многие художники покупают отечественный лен только потому, что лен, как материал, считается лучшим и самым прочным основанием для живописи. Между тем, это категорически не так. Лен льну рознь! Российские холсты из 100% льна часто даже уступают по долговечности более качественным европейским холстам из смеси хлопка и льна!
Но не стоит забывать: художник пишет картину все же на полотне, а не на грунте. Да, с технической стороны краска ложится на грунт, но грунт должен держатся на полотне полностью, а не "висеть" в воздухе между неплотными нитками. На неплотном же холсте грунт фактически весит в воздухе, а сам такой холст представляет собой больше каркас в форме решета для удержания грунта, чем полноценное полотно.
У меня на реставрации побывало очень много картин российских художников написанных в 90-х прошлого и уже 00-х годах нынешнего века. История этих картин никогда была такой короткой.
Теперь, вы наверняка зададите вопрос: почему же отечественные холсты такие некачественные? Ответить в полной мере я на него не смогу, поскольку это сложная комплексная проблема, а не являюсь экспертом по всем вопросам. Но, между тем, я открою вам один маленький секрет.
Дело в том, что, как в России, так и в советском союзе, холсты из льна изготавливались и изготавливаются не совсем из льна. Вы спросите из чего? Готовы?
Из так называемого льняного очеса, а очес - это отходы переработки льна. Да, именно так! На всем протяжении своей истории и по сей день российский холст из льна представляет собой полотно из льняных отходов.
Именно поэтому я не стал сначала объяснять причину появления узелков на холсте и его неоднородности. И узелки и неоднородность холста - все это показатель использования отходов льна в разных его пропорциях. Про льняной очес вы можете почитать в интернет. Там же узнаете, что такое длинная нить (длинное волокно или длинноволокнистый лен) и короткая нить (короткое волокно или коротковолокнистый лен - тот же очес).
Вообще, тот факт, что холсты для живописи изготовляются на постсоветском пространстве из очеса не является уж таким секретом. Просто мало кто придает этому значение. Более того, на многих ресурсах открыто говорится, что очес предназначен для изготовления грубых технических тканей, и в том числе холстов. Во времена СССР существовали даже ГОСТы и прочие нормативы, в которых холст официально приравнивался к мешковине!
Ну что тут еще скажешь... Время идет, а ничего не меняется. Российский художник как писал на отходах в буквальном смысле слова, так, в основном, и продолжает писать!

Холст Оршанский

Холст Репинский негрунтованный

Холст Театральный

Холст Двунитка

РАСПРОСТРАНЕННЫЕ ВОПРОСЫ

• Главное хорошо проклеить и прогрунтовать холст, остальное не так важно.
  Грунт не увеличит реальную плотность холста, а если его переложить, то будет лишь еще хуже. Даже самая качественная грунтовка не увеличит прочность холста из очеса и низкосортного льна. Клей и грунт необходим лишь в строго достаточном количестве, как приправа к еде. Хорошей грунтовкой можно скрыть многие внешние изъяны холста и облегчить письмо, но не более того. Тип живописи (масляная, акриловая или темперная) в данном вопросе даже не играет принципиальной роли. Просто живопись маслом самая требовательная к качеству холста, поэтому ей тем более нужен плотной холст из длинной нити, а не очеса. Нитка - вот базовая основа прочности картины, а грунт - промежуточная.

• Можно ли писать на всяких технических тканях, типа бортовки, шторах и тому подобных
  Бортовка плотнее российских и белорусских холстов, но не зарубежных. Бортовочная прочая техническая ткань для живописи категорически для нее подходит, поскольку обрабатываются (пропитываются) химическим составом (аппретом). Аппрет искажает со временем все изначальные цвета картины до неузнаваемости. Мне попадались несколько живописных работ, выполненных на бортовке. Печальная картина была у этих картин, если так можно выразится. К тому же с прочностью бортовки тоже не все так радужно. Пропитка в бортовке взаимодействует с проклейкой и грунтом, в результате чего сама ткань постепенно, но уверенно теряет свою изначальную прочность.
  Мешковина или холстяная мешковина - все это все отходы льна (очес), к тому же в самом худшем исполнении. Мешковина не может быть лучше российских холстов, поскольку российские холсты - это в каком-то смысле разновидность мешковины.

• Некоторые российские холсты позиционируются как холсты для профессиональных художников.
  Для меня всегда важен непосредственно материал и качество изготовления холста. Если же Вы думаете, что в России существует некие холсты отечественного производства, отличающееся особым качеством, то боюсь вас разочаровать - таких холстов не существует. Существуют лишь некоторые российские холсты, которые проходят более качественную предпродажную подготовку: они хорошо проклеиваются и грунтуются, что создают некую иллюзию качества. Однако в действительности большинство изъянов и дефектов таких холстов просто скрывается от глаз художника.

• Можно ли писать на фанере, двп, дсп, оргалит и т.п.
  Я отношусь к такой живописи больше как к кустарной-экспериментальной живописи, чем коммерческо-профессиональной. И причина этому проста: подавляющее большинство художников, использующих для живописи твердое основание, покупают ту же самую фанеру, двп, дпс, оргалита и другие оные материалы, которые не предназначены для живописи как таковой! Используется обычные сподручные стройматериалы, которые ввиду их обработки очень слабо держат грунт. Живопись (красочный слой) на таком основании практически можно соскабливать пальцем. Сколько бы я с такой живописью не сталкивался, ситуация с ней была очень плачевная.

Какой холст купить для масляных красок? На каких полотнах не стыдно писать и оставить потомкам?

Ответ простой очевидный - это европейские холсты. Если про российские холсты в интернете практически ничего не написано, то про европейские холсты и подавно. Для большинства художников - это вообще темный лес. Я немногого расскажу о них.

А, собственно, что рассказывать? Привожу исключительный перечень западных производителей качественных холстов (в скобочках синонимы названий и брендов): Libeco Lagae | Либеко Лагае, Claessens | Классенс, Alres (Museo) | Алрес (Музео), | Sennelier (Artfix) | Сеннелье (Артфикс), Charvin | Шарвин, Pieraccini (P.E.R. Belle Arti) | Пьерачини (Белле Арти), Saler (Caravaggio, Richeson Caravaggio) | Салер (Караваджо, Ричесон Караваджо), Lanificio (Lanificio Prato, Pintura) | Ланифицио (Ланифицио Прато, Пинтура), Utrecht (Blick) | Утрих (Блик), Fredrix | Фредрикс.
Все вышеназванные холсты отличаются высоким качеством и их можно без каких-либо проблем использовать в живописи. Разница между ними только в цене и доступности приобретения в России.
Что еще можно добавить? Итальянские холсты BelleArti и Caravaggio относятся высокому ценовому диапазону, бельгийские Libeco Lagae к среднему, Lanificio Prato к низкому. Однако в данном случае цена на качество абсолютно не влияет.

Существует еще порядка дюжины так называемых псевдо-европейских производителей, таких как: Gencla | Генкла, Brauberg | Брауберг, Pebeo | Пебео. В реальности же вся их тканная продукция часто обладает не просто низким, а часто опасным для долговечности живописи качеством и нередко изготавливается в том числе и в Китае.

Также хочу отметить, что практически все американские и европейские холсты вне зависимости от производителя и типа грунта перед натяжкой на подрамник намачивать водой не рекомендуется. Во-первых, это может привести к порче холста, а во-вторых, к провисанию полотна в дальнейшем. Не забывайте, что натягивать грунтованные холсты необходимо только по сухому.

Какой материал холста лучше: лен или хлопок?

Скажу сразу, я, как реставратор, категорически против смесовых холстов из льна и хлопка, поскольку эти вида ткани обладают принципиально различными физическими-химическими свойствами. Однако желание постоянно сэкономить заставляет художников прибегать разного рода компромиссам. К том же есть немалая часть художников, которые просто не любят писать на льне из-за его фактуры и предпочитают гладкую бумажную фактуру хлопка.

Так как же быть? Выход (если его так можно назвать) нашли еще в 80-х годах прошлого века итальянские производители. Было установлено, что лен и хлопок ведут себя в паре друг с другом нелинейно и спустя бесчисленное количество экспериментов была найдена оптимальная пропорция соотношения льна и хлопка в холсте: 60% льна / 40% хлопка. Если содержание льна в холсте опускалось ниже 60%, то такой холст практически ничем по своим свойствам и долговечности не отличался от холста из 100% хлопка.
Еще раз: чтобы смесовой холст из льна обладал приемлемой прочностью в нем должно быть минимум 60% льна или больше. Приобретать же смесовые холсты с содержанием льна меньше 60% не имеет смысла. Дешевле приобрести обычный хлопковый холст. Разницы по качеству практически не будет.

Однако, как я уже вначале заметил, любой смесовой холст из льна, даже с его содержание 60% и выше - это все равно неоднородный холст, который существенно уступает прочности холсту из 100% льна такого же уровня качества. Более того, лен и хлопок по разному реагируют на влажность. Смесовые холсты больше "гуляют" и "трещат по швам" из-за разных натяжений нити, что может привести к порче красочного слоя картины.

Если и использовать смесовые холсты, то лучше только в целях обучения. Серьёзные произведения на них лучше не писать. Берегите свою репутацию! Не зря изначально смесовые холсты на основе льна и хлопка предусматривались только для студентов. Это потом они распространились и на художников-любителей, а еще 10 лет спустя как-то все "забыли" об первоначальном предназначении таких холстов и смесовые холсты вошли в привычный обиход многих художников.

Какие кисти лучше всего для акварели?

Существует множество разных кистей для живописи акварелью. Они должны быть мягкими, легко набирать и отдавать воду, но одновременно упругими, чтобы во влажном состоянии кисть не топорщилась и имела острый кончик.

Три фактора влияют на результат, которого можно достичь с помощью кисти: материал, из которого они сделаны, их форма и величина. Кисти бывают из натурального волоса и синтетических нитей, которые изготовляют так, чтобы они повторяли свойства натуральных кистей. Лучшие кисти для акварели из волоса колонка и соболя. Изготовляются они вручную, и на рынке они наиболее дороги. Они позволяют выполнять идеальные мазки и штрихи и могут служить долго. Кроме того хорошими инструментами, которые не столь дороги, могут считаться кисти, изготовленные из беличьего волоса, волоса мангуста, хорьковые, из ушного волоса (бычьи), кисти из пони, из волоса лани (японские) и из свиной щетины. Некоторые из них употребляются как вспомогательные. Кисти из волоса лани, пони и хорька хороши для смачивания поверхности бумаги, отмывки фонов, проработки небес и проч. Свиная щетина может применяться при работе сухой кистью, смывания красочного слоя, нанесения маскировочной жидкости и при набрызге. Хорошими и достаточно универсальными инструментами считаются беличьи кисти и кисти, изготовленные из волоса бычьего уха. Но беличьи не столь долговечны и упруги как колонковые. Кисти из искусственных волокон также пользуются спросом как у учащихся, так и у профессионалов. Они умеренно упругие, чуть жестче колонка, при намокании образуют каплевидную форму, утончаясь на кончике до нескольких волосков, долговечны и почти универсальны в применении. Существует два основных вида кистей: круглые и плоские.

Цоколь у круглой кисти формирует круглый в сечении волосяной пучок. Цоколь плоской кисти сплюснут и образует лопаточку, края которой бывают плоскими и закругленными. Все круглые кисти универсальны: ими можно делать размывку и проводить тонкие линии. Обычно круглые кисти имеют номер начиная от 00 и заканчивая 14.

Плоские кисти также достаточно универсальны. Ими можно делать большие размывки, широкие мазки. Ширина мазка определяется размером кисти. Торцом синтетической плоской кисти можно проводить тонкие линии. Для начала вполне достаточно иметь круглые кисти №2 для прописывания мелких деталей, №6 (№8) и №10 (№12) в качестве основных инструментов и плоские кисти 6-8мм, 14-16мм и флейц 30-50мм для больших размывок и намачивания поверхности бумаги.

Нужно помнить, что нельзя долго держать кисти в ёмкости с водой во избежание повреждения ворса и системы его крепления. После завершения работы кисти необходимо промыть, отжать, придав волосяному пучку правильную форму и, либо положить в пенал, либо завернуть в сухую ткань или мягкую бумагу и хранить в таком виде до следующего применения. Во время работы удобно держать кисти в стакане, волосяным пучком вверх.

Виды кистей:

КРУГЛЫЕ

Одна из наиболее универсальных кистей. Предназначается для нанесения краски линией с неизменной толщиной, либо линией, варьирующейся по толщине. Это прекрасная кисть для акварели, как для прописывания больших поверхностей, так и для работы над деталями.

ПЛОСКИЕ

Такими кистями можно наносить как широкие ровные мазки, так и использовать в качестве основного инструмента на крупных участках картинной плоскости. Благодаря густоте и длине волоса, кисть удерживает много краски.

КОНТУРНЫЕ

Этот вид кистей близок плоским: оба вида обладают схожей формой, однако пучок у этих кистей короче, что придает кисти большую упругость и улучшает контроль над качеством плоских мазков. Кроме этого, более короткий волос облегчает создание плавного перехода одного цвета в другой и хорошо выделяет контур.

КОШАЧИЙ ЯЗЫК

Это - плоская кисть с купольным или овальным очертанием. Ее применение весьма разнообразно - ей можно писать как обычной плоской кистью и, в то же время, в перпендикулярном положении к поверхности - как круглой.

РЕТУШНЫЕ

Если вам необходимо нанести очень точный мазок, лучшей кисти не найти. Она похожа на подрезанную под угол плоскую кисть с коротким ворсом. Поскольку кончик кисти позволяет быстро и уверенно изменять объем волоса или щетины, несущих краску, данная часть - превосходный инструмент для создания перехода одного цвета в другой в труднодоступных, узких, мелких участках акварели.

ФЛЕЙЦ

Кисти предназначены для свободной живописи заливками и предварительной промывки и увлажнения листа. Производятся из мягкого беличьего волоса и синтетических материалов.

ШРИФТОВЫЕ

Используется с жидкими красками и является вариацией круглых кистей с очень длинным волосом. Ими наносят тонкие ровные линии. Видимая часть волоса служит резервуаром для краски. Поэтому есть возможность провести длинную линию без повторного наполнения кисти.

ЛИНЕЙНЫЕ

Это младшая сестра шрифтовых кистей. Они короче последних, но длиннее круглых, оставляют точные линии, длинные мазки и также годятся для нанесения надписей.

ВЕЕРНЫЕ

Плоские кисти, имеющие негустой пучок в форме веера. С их помощью удается сделать утонченную цветовую растяжку. Вы также сможете смягчить контраст контуров и фактуру.

Кисти из смешанного волоса

Обычно собраны в оптимальной пропорции из натурального ворса (например, белки или колонка) и синтетического. На вид и в работе трудно отличить от натуральной.

Синтетические кисти

Изготавливаются из нейлоновых, полиэстерных и др. волокон. Отлично имитируют натуральный волос и собираются в конус с острым кончиком. Раньше считались менее долговечными, чем натуральные, но сейчас я с уверенностью могу сказать, что синтетические качественные кисти служат мне дольше натуральных!

Синтетической волос на основе нейлона жёсткий и не отдаёт воду, используется для масляной живописи и акрила, для акварели не подходит.

Что нужно для рисования маслом?

Живопись маслом - это самая популярная и любимая техника многих всемирно известных художников, как прошлых столетий, так и нашего времени. Благодаря своей пластичной структуре, масляные краски долго сохнут, что дает возможность исправить рисунок на протяжении долгого времени. Живопись, выполненная маслом, всегда смотрится изящно и изыскано. Научиться рисовать маслом – задача хоть и трудная, но приносит море удовольствия художнику. Если Вы еще не освоили эту технику – начинайте прямо сейчас: кто знает, может, у Вас скрыт будущий Рембрандт или Ван Гог? Что же нужно иметь начинающему художнику для рисования маслом?

Перечень необходимых предметов для рисования маслом

1. Масляные краски.

2. Кисти: можно использовать кисти из натуральной щетины и из синтетики (выбор кисти зависит от того, какой суммой Вы располагаете и какого результата хотите добиться).

3. Деревянная палитра.

4. Масленка для разбавителя.

5. Разбавитель (используется для того, чтоб краски не были слишком густые).

6. Холсты (одинаково хороши и холст на подрамнике, и холст на картоне, и грунтованный картон).

7. Специальная жидкость для мытья кистей.

8. Кистемойка.

Масляные краски – краски, созданные из масла, пигмента и скипидара. Для масляных красок используется льняное, конопляное, маковое, ореховое или сафлоровое масло. Пигменты влияют на цвет краски и могут быть синтетическими и натуральными. Картины, написаны маслом, долгие века остаются в замечательном состоянии: высыхая, масляные краски сохраняют свой цвет, они не боятся света и мороза. Благодаря пастообразной структуре, масляные краски обладают замечательными кроющими способностями.

Кисти: масляные краски лучше всего наносить натуральными кистями из щетины или синтетическими кистями. У каждого художника должны быть кисти разной жесткости и разной формы – это поможет отобразить желаемую структуру картины и сделать четкими даже маленькие детали.

Деревянная палитра – это незаменимая вещь в арсенале художника, любящего рисовать маслеными красками. Для удобства у Вас должно быть две палитры: одна большая - для рисования в студии, вторая – маленькая выездная. Обратите внимание на то, что пластиковая палитра для рисования маслеными красками не подходит.

Масленка – специальная посуда для разбавителя, которая с помощью специального зажима крепится к палитре.

Разбавитель используется для того, чтобы краски были менее густыми. Для масленых красок в качестве разбавителя чаще всего используют петролеум, тройник или льняное масло. Кстати, людям, которые негативно реагируют на запахи и аллергикам, лучше использовать именно петролеум, поскольку он не имеет никакого запаха.

Холст – это материал, на котором пишут картины. Разновидность холстов в наше время могут смутить художника-новичка. В любом магазине художественных принадлежностей можно ознакомиться с большим выбором холстов на подрамнике или на картоне и холстов, смотанных в рулон. Холсты изготавливаются из льна или хлопка, что делает разнообразной их структуру – от мелкозернистой до крупнозернистой. Чаще всего художниками используются среднезернистые холсты.

Жидкость для мытья кистей – это специальное средство для очистки кистей от остатков краски. Такой жидкостью отмыть кисть гораздо легче, чем другими разбавителями, да и при правильном уходе кисть прослужит гораздо дольше.

Кистемойка – небольшая посудина, зачастую имеющая форму небольшого ведерка, с вмонтированной сверху спиралью, для закрепления кисти. С помощью кистемойки, в жидкости для мытья находиться только нужная часть кости, что позволяет сохранить рукоять кисти от повреждений.

Параметры художественных красок. Укрывистость, колор-индекс, светостойкость.

Как выбрать качественные краски для масляной живописи?

Пожалуй, этот вопрос задают себе все начинающие художники.

На этикетках профессиональных красок можно встретить большое количество символов, которые помогают художникам подобрать нужные краски. Сегодня мы подробно разберем, какие символы встречаются на тубах и что они обозначают.

Примеры оформления информации о художественных красках:

У каждого цвета и оттенка есть свое название, цифровой код (присваивается производителем), обозначение при использовании в краске органических пигментов вместо натуральных, показатель светостойкости, укрывистости и колор-индекс.

Основными параметрами для подбора художественной краски являются укрывистость, светостойкость и колор-индекс.

Необходимо отметить, что эти параметры помогают оценить краску не по критерию «хорошая-плохая», а по способности воплотить на холсте замыслы художника.

Укрывистость – это способность краски перекрывать собой более ранние слои краски.

По укрывистости краски делятся на виды:

• укрывистые

• полупрозрачные

• прозрачные

Некоторые производители делят краски на непрозрачные, среднеукрывистые или полуукрывистые и прозрачные.

Укрывистые краски полностью «укрывают» нижние слои, прозрачные наоборот, пропускают через себя цвет предыдущих слоев.

Прозрачность красок используется для создания сложных цветовых композиций.

Укрывистость обозначается закрашенным прямоугольником или кругом.

Например, белила цинковые – прозрачные, а титановые – укрывистые.

Укрывистость

Белый квадрат

Прозрачная краска, хорошо подойдет для лессировки в масляной живописи. Разбавителем можно развести до состояния акварели.

Квадрат закрашен наполовину

Полупрозрачная масляная краска.  

Полупрозрачные краски хорошо смешиваются и дают довольно чистые оттенки взаимодействуя с корпусными и прозрачными.

Черный квадрат

Краска с высокими кроющими свойствами, не прозрачная. Такие краски еще называют корпусными. Плотно ложится на холст, даже с разбавителем не разводится до прозрачного состояния. 

Такие краски хорошо подойдут для нанесения фактуры и для создания густоты живописи. 

При написании картины художники заранее просчитывают, как будут себя вести цвета в готовой работе и как готовая работа будет выглядеть через продолжительный период времени. Более светостойкие краски не выцветают с течением времени, в то время как менее светостойкие могут «прожухать», блекнуть, изменять оттенок.

Современные краски делятся на:

• светостойкие

• среднесветостойкие

• малосветостойкие

У некоторых производителей деление такое: сильносветостойкие, среднесветостойкие, светостойкие

Светостойкость обозначается на этикетках звездочками (у некоторых производителей плюсами, кружочками и другими знаками).

Одна «звездочка» или «плюс»

Такую краску художники предпочитают не выбирать, так как светостойкость краски низкая и прослужит она очень мало. Такие краски начинают выгорать на солнце в течении года. Картина, написанная такой краской, сохранит яркость 10-25 лет, но лично я очень в этом сомневаюсь. Это «масло» можно использовать для этюдов. Для живописи не рекомендую.

Две «звездочки»

Это краски со средней светостойкостью. Хорошее решение и для этюдов, и для картин. И новички в масляной живописи, и профессиональные художники используют такие краски. Они точно будут радовать яркостью лет двадцать пять. Думаю, такие краски — именно то, что нужно для старта.

Три «звездочки»

Краски с самой высокой светостойкостью. Лучший вариант, если говорить о долговечности сохранения цвета картины. Отлично подходят для живописи. Картины, написанные такими красками, прослужат до 100 лет.

Колор-индекс (англ. color index; цветовой индекс, пигментный индекс) необходим художнику для упрощения процесса подбора красок.
Цветовые индексы красок обозначаются следующим образом:

Буквенные код обозначает к какой группе относятся пигменты в составе краски, а цифра – координаты цветового круга CIELAB (англ.) Wikipedia: Lab color space.
Любая краска – это химическое вещество, способное вступать в реакцию с другими веществами.

Например, при смешении масляных красок желтой стронциановой и желтой лимонной получается грязно-зеленый цвет.

Итак, профессиональные художники выбирают краски по нескольким параметрам: укрывистость, светостойкость и колор-индекс. Именно этим можно объяснить приверженность многих художников краскам определенного производителя, так как они уже проверены на деле и ведут себя так, как привык художник.

Выбираем тип краски

Масляные краски изготавливаются на основе пигментов и связующих. Пигменты оказывают большое влияние на цену краски.

Пигменты могут быть неорганические (минеральные) и органические. Некоторые из них являются очень редкими или требуют больших затрат на производство, другие, напротив, имеют невысокую стоимость и встречаются часто.

Пигменты определяют цвет красок, интенсивность и светостойкость.

Связующее вещество после нанесения краски на холст твердеет, удерживая частички цветного пигмента на холсте.

В состав связующего для масляных красок входит масло (льняное, маковое, сафлоровое, ореховое), восковый раствор, природные смолы (даммара, мастикс) и добавки, повышающие стойкость красочного слоя (скипидар, бальзам, мастикс).

Условно масляные краски можно разделить на серии, предназначенные для различных сегментов покупателей и решения определенных задач.

Профессиональные

Изготавливаются на высококачественных связующих и светостойких пигментах, с высокой концентрацией и с минимально необходимым наполнителем. Используются профессиональными художниками.

Сюда относятся краски Old Holland, Williamsburg, Rublev, Michael Harding, Pip Seymour.

Полупрофессиональные

Изготавливают на качественных связующих, но с заменой дорогих пигментов на аналоги. Краски имеют достаточно высокую светостойкость и неплохую концентрацию. Главное достоинство — уравновешенное сочетание цены и качества. Популярны среди начинающих художников или любителей, учащихся профессиональных художественных заведений.

К этой категории отнесу «Рембрандт» компании Таленс, «Мастер-класс» (ЗХК), Norma Oils немецкой компании Schmincke, Louvre (Lefranc&Bourgeois), XL-серия (Pebeo), Winsor&Newton, серия Puro (Maimeri), Gamblin, Mussini

Краски начального уровня

В основном, изготавливаются на основе недорогих синтетических составляющих с большим процентом наполнителей и связующих, что сказывается на концентрации пигмента. К этой группе относятся «Ладога» (ЗХК), «Ван Гог» (Таленс), серия Classico (Maimeri).

Признаки некачественной краски

Еще один важный момент, как определить, что масляная краска оставляет желать лучшего.

Обратите внимание вот на что:

• Плохая консистенция. Излишняя текучесть или излишняя пастозность;

• Расслаивание краски. Пигмент отделяется от связующего. Например при выдавливании краски из тюбика, сначала вытекает масло;

• Наличие посторонних включений;

• Плохая «разносимость» краски.Она ложится на основу неровным слоем, с образованием полос и плохо прокрашивает;

• Низкая эластичность. Растрескивается при высыхании.

Чаще всего в линейке производителя представлены как краски профессиональной серии, так и краски начального уровня. Рекомендуется смешивать только краски одной марки, пусть даже из различных серий. В этом случае гарантируется совместимость красок и более адекватная цветопередача.  

Итак, если вы решили писать маслом, определяйтесь с красками.

СКЕТЧБУК: 12 СЕКРЕТОВ ДЛЯ УСПЕШНОГО СТАРТА!

Скетчбук (книга зарисовок) – отличный способ сделать вашу жизнь более творческой!

Это возможность поймать те моменты, которые в других случаях могли бы остаться незамеченными. К тому же, в последнее время это направление творчества  находится на пике популярности.

Если вы только поглядываете в сторону скетчинга или делаете первые шаги, воспользуйтесь советами этой статьи!

12 СЕКРЕТОВ, КОТОРЫЕ ПОМОГУТ ВАМ НАЧАТЬ ВЕСТИ СКЕТЧБУК:

1. НАЧНИТЕ. СЕГОДНЯ. СЕЙЧАС.

Все, что вам на самом деле нужно.., – ручка или карандаш и лист бумаги.

Самое главное – это открытость и желание учиться.

Не ставьте перед собой недостижимые цели. Не усложняйте. Совсем необязательно на вашей страничке рисовать фантазийные или красочные сюжеты. Просто нарисуйте что-нибудь.

2. ДЕЛАЙТЕ БОЛЬШЕ ЗАПИСЕЙ В СВОЕМ СКЕТЧБУКЕ! ТЕМ САМЫМ:

• вы приобретаете больше знаний,

• быстрее рисуете,

• испытываете меньше страха перед началом работы,

• результат вашей продолжающейся практики будет радовать вас раз за разом.

Итог – прежде всего вам необходимо освоить азы, и единственный способ сделать это – начать рисовать и продолжать практиковаться, невзирая на ошибки.

3. ЧИСТЫЙ ЛИСТ – НЕ ПОВОД ДЛЯ СТРАХА.

Если в вашем альбоме 25 листов, значит у вас есть 25 шансов воплотить свою задумку.

Один лист – один шанс. Если не получилось реализовать идею с первой попытки – у вас все еще есть 24 шанса, чтобы сделать это!

Чистый лист – это не бенгальский тигр в прерии, и не бешеный енот…

А вот сейчас настало время испугаться!

4. СМИРИТЕСЬ С ТЕМ, ЧТО ВЫ БУДЕТЕ ДЕЛАТЬ ОШИБКИ.

В процессе обучения ошибки неизбежны.

Подумайте о том, что уроки, которые мы извлекаем из ошибок, запоминаются нам сильнее, чем те знания, которые мы сразу же освоили успешно.

И хорошая новость – ошибки в скетчбуке не бывают фатальными!

5. НЕ ПОЗВОЛЯЙТЕ СТРАХУ СОВЕРШЕНИЯ ОШИБОК ПАРАЛИЗОВАТЬ ВАС.

Все совершают ошибки, даже так называемые эксперты или профессионалы. Неважно как долго вы рисуете, неважно сколько уже скетчбуков заполнили, неважно насколько вы хороши, у вас все равно время от времени будут случаться ошибки.

Вместо того, чтобы бояться ошибок, лучше подумайте о том, чему они могут научить вас. Не стоим огорчаться из-за ошибок. Этим их не исправить.

6. ЭТО НОРМАЛЬНО – ПРОСТО ПЕРЕВЕРНУТЬ СТРАНИЦУ, СКАЗАВ: “СЛЕДУЮЩАЯ!”

Это случается с каждым из нас, когда вы чувствуете, что двигаетесь не в том направлении.

Иногда бывают такие дни, когда каждая линия стремится выйти из-под контроля, каждый новый мазок превращается в грязь, перспектива и пропорции не желают выстраиваться. Если вы чувствуете подобное, то просто завершите работу (может быть вы даже удивитесь результату!) и начните сначала. 

7. ЗАНИМАЙТЕСЬ СКЕТЧИНГОМ В УДОВОЛЬСТВИЕ!

Если вести скетчбук вам не в радость, то зачем же продолжать?

Скетчинг сам по себе подразумевает, что это будет весело, если для вас это не так, то подумайте о том, что вам мешает наслаждаться процессом.

Помните – мы учимся быстрее, когда занятие нам по душе.

8. НИКОГДА, НИКОГДА, НИКОГДА НЕ СРАВНИВАЙТЕ СВОЮ РАБОТУ С ЧУЖИМИ!

Мало найдется вещей, способных так сильно демотивировать, как сравнение вашей работы с чужими, и мысли о том, что ваша работа не так хороша, что чего-то ей не хватает.

Неважно как долго вы рисуете, если вы внимательно посмотрите по сторонам, то всегда найдется кто-то, чьи работы будут нравиться вам больше собственных.

9. ЕСЛИ ЖЕ СРАВНЕНИЕ ВАМ НЕОБХОДИМО…

Сравните скетч, который вы сделали сегодня, с тем, что вы сделали вчера, на прошлой неделе или даже в прошлом месяце.

Используйте такие сравнения, чтобы посмотреть насколько выросли ваши навыки, что получается хорошо, а над чем еще нужно поработать.

10. ВСЕ НАЧИНАЛИ С ОДНОГО И ТОГО ЖЕ – С АЗОВ.

Еще никто не был освобожден от изучения основ и техник рисования. Никто не был рожден с карандашом в одной руке и листом бумаги в другой.

Садитесь и начинайте рисовать снова каждый раз, когда вам захочется оправдаться перед собой “Я никогда не смогу так же как он”.

Нет, вы никогда не сможете так же как “он”, но вы можете быть настолько хороши, насколько это вообще возможно… и даже больше!

11. СКЕТЧИНГ – ЭТО ЭВОЛЮЦИЯ НАВЫКОВ, НО РЕДКО РЕВОЛЮЦИЯ.

Да, я знаю, вы хотите знать как сделать это СЕГОДНЯ и вы хотите сделать это ПРЕВОСХОДНО.

Этого не будет.

ЭТО ТОЖЕ ОЧЕНЬ ВАЖНО – разрешите себе делать ошибки, учиться, снова ошибаться, не быть довольными каждой страницей.

Мы создаем скетчи по чуть-чуть. Иногда они действительно ужасны (для нас). Это нормально, ведь у нас есть следующая страница. И следующая за ней. И еще одна.

12. НЕ КАЖДАЯ СТРАНИЦА БУДЕТ ПОЛУЧАТЬСЯ ИМЕННО ТАКОЙ, КАК ЗАДУМЫВАЛАСЬ.

Является ли каждая ваша попытка блестящей, удивительной? Нет? У меня так же.

Не нужно принимать на себя такой груз давления от ожиданий, иначе вы не сможете наслаждаться процессом.

И если критик, что живет внутри вас, решит высказаться, то скажите ему, что сегодня не подходящий для замечаний день, да и весь следующий месяц тоже скорее всего не подойдет для разговоров.
Вы можете позволить себе день отдыха… или месяц. 

БРОСЬТЕ СЕБЕ ВЫЗОВ – НАРИСОВАТЬ ЧТО-ТО, ЧТО ЛЕЖИТ ЗА ПРЕДЕЛАМИ ВАШИХ ВОЗМОЖНОСТЕЙ.

Даже если вы думаете, что не сможете, в действительности вполне возможно вас ждет сюрприз. Это как раз к нашему разговору о том, как мы учимся и становимся лучше. И даже если вас постигнет неудача, воспринимайте это как успех в любом случае – потому что у вас хватило смелости на то, чтобы попробовать. Это далеко не исчерпывающий список советов.

Тем не менее, я надеюсь, что после прочтения этой статьи у вас появятся:

• храбрость, чтобы попробовать

• чувство уверенности, если вы боитесь ошибок

• вдохновение, чтобы выйти из своей комфортной зоны

на то, чтобы попытаться сделать что-то новое, и делать это с удовольствием!

Темы для вашего скетчбука:

“Ботаника”:

• Изучайте различные деревья, зарисовывайте их листья, форму кроны и веток;

• Создайте рисованную коллекцию определенного вида растений;

“Зарисовки в кафе”:

• Нарисуйте заказанное блюдо;

• Составьте натюрморт из еды и посуды;

• Запечатлейте интерьер кафе;

• Зафиксируйте общее впечатление;

• Дополните зарисовку рецептом блюда или чеком за обед;

• Нарисуйте вид из окна кафе.

“Портреты и фигура человека”:

• Нарисуйте автопортрет в зеркало;

• Или зарисуйте свои руки, ступни

• Делайте зарисовки людей в транспорте (метро, поезд, самолет);

• Зарисовки в парке, где люди расслабленно отдыхают – тоже хорошая идея

• Нарисуйте членов своей семьи;

“Ландшафтные наброски”:

• Парковый пейзаж: Нарисуйте часть парка, дорожки, скамейки, фонари, парковые скульптуры;

• Морской пейзаж: Зарисуйте морской берег, пляж или просто волнующееся море;

• Сельские пейзажи: сельские домики, поля, леса;

• Городские пейзажи: Нарисуйте жизнь большого города с его домами, улицами, автомобилями;

• Индустриальные пейзажи: Почувствуйте себя архитектором, рисуя промышленные конструкции, стрелы строительных кранов, заводы, депо и вокзалы.

“Города”:

• Сделайте рисунок с картой городов, где уже побывали;

• Нарисуйте сердце, поделенное на фрагменты с указанием доли каждого города;

• Зарисуйте города, где хотите побывать;

• Или достопримечательности, которые хочется посетить;

• Расскажите в картинках истории городов, где были;

• Нарисуйте город, где живете, ваши любимые места;

• Зарисуйте города, в которых есть крепости;

• Сделайте визуальный справочник городов Золотого кольца России;

• Или справочник городов с объектами Юнеско;

• Или разные города, которые стоят на берегу моря;

• Любите отдыхать у моря? Зарисовывайте лучшие пляжи мира;

• Любите посещать достопримечательности? Рисуйте храмы мира;

“Архитектурные зарисовки”

• Зарисовывайте дома разных стилей, изучая их особенности;

• Любуйтесь различными храмами, церквями, соборами;

• Нарисуйте часть сооружения: арка, фронтон, капитель колонны;

• Зарисовывайте памятники архитектуры;

• Соберите коллекцию декора – как и чем украшается архитектура;

• Нарисуйте скульптуру или рельефы с фасада здания;

• Уличные фонари – очень красивая тема;

• Малые архитектурные формы: беседки, мосты, рекламные тумбы, автобусные остановки.

“Кулинарные книги”:

Хорошая идея – иллюстрировать рецепты, снабжая их вместо длинного описания емкими картинками. Варианты тематических скетчбуков при этом могут быть такими:

• “Рецепты от … (далее имя любимого шеф-повара)))”;

• Книга десертов;

• Рецепты моей бабушки;

• Кухня определенной страны;

• Чайная или кофейная коллекция (бирка, зарисовка и описание вкуса);

• Или можно сделать рисованный справочник по декорированию блюд

“Коллекции узоров и орнаментов”:

• Рисуйте узоры в круге – мандалы. Можно создавать свои или раскрашивать уже существующие;

• Соберите коллекцию рисунков или орнаментов определенного народного промысла (Гжель, Хохлома, Северо-Двинская роспись и пр.);

• Зарисовывайте узоры с тканей;

• Соберите узоры и орнаменты определенного стиля (например, стиль модерн)

“Буквинг, леттеринг”:

• Тренируйтесь в каллиграфическом письме с разным написание букв;

• Изучайте различные печатные и рукописные шрифты;

• Создавайте шрифтовые композиции из одной или нескольких фраз;

• Рисуйте буквицы – крупные буквы с вензелями или рисуночками, которые украшают начало текста;

“Портреты”:

• Нарисуйте галерею портретов любимых актеров;

• Или музыкантов;

• А быть может вам интересно зарисовать героев мультфильмов Диснея?;

• Если выросли из Диснея, можно рисовать аниме;

• Или героев комиксов;

“Изучение определенного художественного материала”:

• Скетчбук – это творческое пространство, где художник может проводить эксперименты с материалами, пробовать новые техники прежде, чем решится ввести их в более серьезную работу.  Это своеобразный испытательный полигон, где можно “пуститься во все тяжкие” и не бояться испортить результат.

• Попробуйте разные приёмы работы акварелью;

• Протестируйте новые маркеры;

• Рисуйте мягкими материалами: уголь, сангина, пастель, мел (хороши для тонированной или крафт бумаги)

• Сделайте микс-медиа: аппликация, выкрасы акрилом, гелевые ручки, фломастеры – оторвитесь по-полной!

“Рисунки друзей”:

• Попросите друга нарисовать вам рисунок-пожелание;

• Попросите его нарисовать автопортрет;

• Сделать зарисовку, что лежит в его сумочке;

• Пусть расскажет, на что бы он потратил свой первый миллион;

• Нарисовать символ своего года по восточному календарю и зодиакального знака;

• Расскажите, что вы собираете – зарисуйте одну из своих коллекций

 «Дневник путешественника» 

• создавайте свой авторский трэвелбук и  превращайте блокнот в полноценную иллюстрированную книгу о путешествии.

Mы приглашаем детей и взрослых на занятия по рисунку и живописи в Хайфе.

Программа обучения рисованию рассчитана как на желающих начать рисовать “с нуля”, так и на тех, кто хочет закрепить ранее приобретенные навыки.

На обучение рисованию принимаем всех желающих – детей, подростков, и взрослых. Пройдя наши художественные курсы живописи и рисования, вы очень быстро наберетесь мастерства для создания своих неповторимых авторских работ.

Хотите начать обучение?

Свяжитесь с нами!

Записаться также можно по тел.: 054 344 9543
https://www.ghenadiesontu.com/workshops/

Учимся штриховать! Способы и техники правильной штриховки

Как правильно штриховать?

Красивая штриховка может сделать ваш рисунок произведением искусства. Определимся с понятиями — есть два вида работы с карандашом: штриховка (все что отдельными штрихами) и растушевка (все что размазывается). В любой художественной школе вас будут прежде всего учить штриховке, так называемому «звонкому» штриху. Самое главное правило в штриховке — это просвет между штрихами. Именно видимость бумаги делает вашу работу свежей и не замусоленной. Научиться правильной штриховке не так сложно как кажется, однако необходимо понимать несколько вещей:

• Штриховка показывает тоновые соотношения. Значит вам нужно иметь элементарные представления о том, что такое тень, блик, рефлекс и так далее.

• Чтобы показать объем предмета, штриховка кладется по форме, вам нужно чувствовать сам предмет и линию, как ее положить, чтобы она подчеркнула форму.

• Чтобы хорошо штриховать надо правильно подбирать материалы и уметь их подготавливать — ваши карандаши должны быть заточены, бумага должна подходить для штриховки, под рукой должен быть хороший ластик. Лучше иметь под рукой наждачку, чтобы держать кончик карандаша всегда острым. Так ваши штрихи будут тоньше и аккуратнее.

• Если вы никогда в жизни не рисовали линий от руки, потренируйтесь сначала в технике штрихов не на конкретном рисунке, а абстрактно, набейте руку, проще говоря.

• Помните, что штриховка требует особого положения руки, это может показаться непривычным, но вполне обосновано. Лучше держать лист вертикально — так меньше искажений и возможности растереть рисунок случайно ладонью.

• На гладкой бумаге, типа ватмана, штрихи получаются четче, на более шершавой — штриховка более мягкая. В зависимости от мягкости карандаша ваш рисунок может быть более контрастным (при использовании карандашей большой мягкости), но его легче смазать и сделать грязным.

• При набрасывании формы, осветлите мягким ластиком технические линии — так ваш рисунок опять же будет четче и чище.

• Если вы рисуете вертикально, возможно вам будет удобнее следующее положение руки:

Карандаш держится как обычно, но рабочий конец карандаша находится много дальше от пальцев. Этот способ позволяет получить большую свободу работы с карандашом.
Отставленный мизинец позволяет получать опору кисти, при этом не касаясь листа бумаги всей кистью, что защищает ваш рисунок от размазывания карандашных штрихов и засаливания поверхности листа.

Есть еще несколько положений, дающих вам большую свободу при работе карандашом, например:

Чтобы взять карандаш таким способом, положите его на стол, а затем кончик указательного пальца положите на карандаш, а большим и средним обхватите его с боков. Поднимите карандаш, взяв его таким способом. Получится, что карандаш как бы спрятан в ладони (ладонь направлена вниз), а рабочий конец карандаша направлен вверх и немного влево (для правшей)Такое положение карандаша позволяет работать как остриём, так и боковой поверхностью грифеля. Это в свою очередь позволяет получать большее разнообразие линий, от очень лёгких штрихов до широких, рыхлых насыщенных штрихов закрывающих тёмными тонами большие поверхности. Таким образом, линии – один из основных элементов рисунка – получаются живыми, разнообразными по исполнению, а, следовательно, и весь рисунок «заиграет» жизнью.
Преимущество такого способа держать карандаш – способность получать большой спектр нажима, регулируя нажим указательным пальцем. Также при этом способе держать карандаш удобно при рисовании опираться на отставленный мизинец. Это позволяет не касаться листа при работе, имея при этом достаточно хороший контроль над движениями карандашом.

Это способ держать карандаш, когда он как бы лежит на ладони (ладонь направлена вверх) или когда ладонь повёрнута на 90 градусов по отношению к бумаге. При этом карандаш как бы лежит на указательном пальце и прижимается большим пальцем. Этот способ подходит для наиболее легкого и расслабленного нанесения рисунка. Вы можете свободно манипулировать большим пальцем и создавать очень легкие линии. Этот способ очень подходит для быстрых зарисовок, когда нужно сделать лишь быстрый набросок формы. Как и в других способах, отставленный мизинец помогает при рисовании.

виды штриховки карандашом.

Разновидности штрихов

Большинство художников среди типов штриховки выделяют:

• параллельную;

• перекрестную;

• круговую;

• точечную.

Все способы штрихования карандашом очень важны для создания изображения. С их помощью можно нарисовать как эскиз, так и полноценную картину.

Для того, чтобы правильно распределить тональные соотношения, рекомендуется перед штриховкой делать так называемую тональную шкалу. Так вам будет проще сделать самые темные и самые светлые места, зная, на что способен ваш карандаш. Тоновая шкала выглядит так:

Тоновая шкала

А здесь вы можете увидеть как карандаши отличаются по мягкости:

Не пытайтесь сразу рисовать что-то сложное, обращайте внимание на материалы. Лучше брать что-то матовое и однотонное, желательно светлое (недаром в художках для отработки штриховки рисуют гипсовые формы), полезно рисовать драпировки (даже ту же смятую одежду), все это помогает чувствовать форму. Будьте готовы к тому, что вам придется наработать руку, чтобы ваши штрихи были легкими и аккуратными. Пробуйте и экспериментируйте с бумагами и карандашами и постепенно ваши работы будут становится все более красивыми и профессиональными.

Качество штриха

Лучше взять карандаш средней мягкости от HB до 2B, чтобы не разводить на листе грязь, ластик стоит использовать по минимуму в идеале вообще от него отказаться. Не затачивайте карандаш слишком остро — мягкие линии лучше, чем тонкие и жесткие. Старайтесь контролировать нажим и не зажимать руку в кисти, вертикальное положение листа очень в этом помогает. Если нет возможности закрепить лист вертикально, возьмите подложку подходящего размера и поставьте на колени, используя стол в качестве опоры.

Рисуем на листе тонкие вертикальные линии, стараясь соблюдать между ними одинаковое расстояние. Лист бумаги лучше повернуть вертикально. На этом же листе пробуем так же отрабатывать горизонтальные и диагональные линии в разных направлениях. Старайтесь не уводить линии за край листа, а останавливать руку в произвольном месте. Скорее всего первые линии получатся у вас кривыми и неровными — не расстраивайтесь, это нормально, рука должна привыкнуть к карандашу и наработаться нужная моторика. Повторяя это простое упражнение очень скоро вы увидите результаты своей работы.

Делим лист бумаги на четыре части и отрабатываем в каждом углу отдельно вертикальную, горизонтальную и диагональную штриховку, равномерно заполняя штрихами все пространство.

Отработка тона

Научившись проводить тонкие однородные штрихи можно переходить к штриховке тоном.
Попробуйте сделать тоновую шкалу — это поможет понять вам возможности своих карандашей и правильно использовать их в работе. Рисуем длинный горизонтальный прямоугольник и делим его на 10 одинаковых вертикальных прямоугольника. Каждая последующая клетка должна быть заштрихована темнее предыдущей. Можно использовать несколько карандашей, а можно делать такую растяжку для одного карандаша. Если у вас большой набор, не стоит брать для каждой клетки новый карандаш, выберите три-четыре основных. Чтобы понять к чему нужно прийти, можно взять самый мягкий карандаш и заштриховать им последнюю клетку, постепенно наполняя тоном остальные. Отличия тона легче увидеть, если слегка прищуриться, шкала должна быть плавным градиентом. Двигаться стоит от светлого к темному. Самая первая клеточка тоже должна быть заштрихована. Размазывать пальцем карандаш нельзя. Старайтесь накладывать штрихи равномерно, без дырок и изменения нажима.

Отработка тона

Рисуем три длинных горизонтальных прямоугольника и штрихуем, постепенно изменяя нажим. В начале полосы нажим на карандаш должен быть слабым, а к концу полосы, нажим должен плавно усиливаться. Второй прямоугольник от светлого к темному и снова к светлому и последний от темного к светлому. Следите за качеством и равномерностью штрихов, не растирайте карандаш.

Штрихуем тоновые пятна. Каждый следующий слой должен отличаться от предыдущего по направлению штрихов. Для того, чтобы тональное пятно имело красивую зернистую фактуру, как на работах старых мастеров, необходимо накладывать слои под небольшим углом. В идеале два пересекающихся слоя должны создавать множество узких ромбиков. Если угол слишком велик – ромбы, скорее, похожи на квадраты, если угол слишком мал – вместо ромбов получаются полосы различного тона. Сначала прокладывают первый штриховой слой в удобном для руки направлении – как правило, оно лежит в диапазоне между 30° и 60°. Затем изменяют направление штриха и накладывают второй слой, затем, изменив направление на такой же угол, прокладывают третий слой. Изменив направление штриха два раза, в четвертом штриховом слое возвращаются к первоначальному направлению штриха. Подобные действия повторяют до тех пор, пока не будет достигнут нужный тон. Старайтесь соблюдать качество штрихов. Штрих может менять нажим, становясь более темным в середине и позволяя делать границы пятна более мягкими. В идеале должно получится что-то такое.

После отработки пятен можно попробовать накладывать штрихи по форме предмета, например штрихуя грани в разных направлениях, а круглые предметы по форме изгиба, постепенно переходя все к более сложным формам.

Правила нанесения академического штриха

Существует определенный свод правил, соблюдение которых необходимо для получения нужного эффекта:

• Штрихуйте предметы по форме. Это означает, что иногда стоит пренебречь прямотой линии, чтобы показать объем. Штрихи должны соответствовать контуру объекта. Например, если вы рисуете шар, то линии должны идти по кругу, а не горизонтально. Это касается абсолютно любых предметов.

• Начинайте от тени и плавно переходите к свету. Светлые участки всегда можно будет затемнить, а вот темные высветлить не так просто. Постепенно наносите цвет на всю поверхность, затем добавляйте пигмент на затемнённую часть. В конце можно воспользоваться мягким карандашом, если вам покажется, что тень недостаточно видна.

• Вы можете использовать перекрестную технику. В таком случае нужно делать наклон между линиями. Линии ложатся накрест, это один из видов штриховки в графике.

• Чистые линии (противоположно перекрестному способу) - следующий способ. Разная штриховка имеет разные требования, здесь, наоборот, линии должны быть параллельны. Не забывайте отрывать руку от бумаги.

• Не смешивайте разные виды (штрих с тушевкой).

• Передний и задний план. На заднем плане всегда будет светлее тон, чем на переднем. Это называется воздушной перспективой. Помните про это правило, оно является почти основополагающим в рисовании.

• Делайте короткие движения руки. Так вам будет проще в нанесении и отслеживании нужного тона.

Mы приглашаем детей и взрослых на занятия по рисунку и живописи в Хайфе.

Программа обучения рисованию рассчитана как на желающих начать рисовать “с нуля”, так и на тех, кто хочет закрепить ранее приобретенные навыки.

На обучение рисованию принимаем всех желающих – детей, подростков, и взрослых. Пройдя наши художественные курсы живописи и рисования, вы очень быстро наберетесь мастерства для создания своих неповторимых авторских работ.

Хотите начать обучение?

Свяжитесь с нами!

Записаться также можно по тел.: 054 344 9543
https://www.ghenadiesontu.com/workshops/

Читайте также:

• Постановка руки и развитие координации на простых упражнениях

  Рисунок. Основы учебного академического рисунка. Учебник, Николай Ли

• Голова человека. Анатомическое строение. Основные движения. Пропорции. Опорные конструктивные точки и применение их в рисовании

• Организация работы и подготовительные упражнения. Оборудование, материалы, инструменты и их использование

• Постановка руки и развитие координации на простых упражнениях

• Основные закономерности восприятия и построения формы предметов и применение их в рисовании

• Движение. Общее понятие о движении. Виды движения. Движение, проявление работы конструкции. Изображение движения в учебном рисовании

Поддержи проект!

Одна «чашка кофе» поможет существовать проекту целый месяц! Если вам нравится рисование, и наши статьи оказались вам полезны, поддержите нашу школу рисования!

Paypal:

paypal.me/ghenadiesontu

Яндекс.Деньги:

4100116350573968

Основные методики обучения рисованию

1. Академическая школа. Начинается данный вид обучения с освоения азов — понятий света и тени, форм и геометрических фигур. Здесь не обойдется без набросков, постановок и изучения пропорций — все то, что является определенной базой рисования.

2. Посещение мастер-классов. На них можно пообщаться с состоявшимися художниками, больше того, поработать с ними в одной мастерской! Узнать и использовать новые техники, почувствовать дух творчества и многому научиться. В эту методику включается также просмотр видео уроков, в которых рассказывается, как пошагово нарисовать определенный предмет.

3. Рисование с натуры. Здесь можно работать как самостоятельно — методом проб и ошибок пытаться нарисовать определенный предмет и понять, насколько точно он отображен, так и с преподавателем, помогающим определиться с направлением, по которому необходимо двигаться. Грамотный наставник также сможет пояснить все ошибки. Картинки на компьютере или на листке не дадут такого объемного восприятия, как непосредственно предмет в пространстве, поэтому важно научиться рисовать именно с натуры.

В освоении навыка рисования существует ряд рекомендаций, придерживаясь которых процесс обучения пойдет быстрее и легче:

• Ежедневно зарисовывайте что-то интересное в блокнот. Это поможет развить внимание и фантазию, набить руку и сформирует творческое восприятие.

• Посещайте выставки и музеи, причем не только известных и именитых художников, но и начинающих.

• Пробуйте рисовать самые простые вещи (фрукты, посуда) в различных техниках — гуашь, акварель, карандаш, тушь и других. После пробы пера вы поймете, какая техника вам по душе.

• Используйте Интернет для поиска информации по рисованию и поиска единомышленников.

• Изучайте творчество других художников, но не копируйте их стиль. Важно выработать собственную индивидуальную манеру.

• Посещайте групповые занятия, на которых вы можете пообщаться с другими учениками и погрузиться в невероятную атмосферу.

Mы приглашаем детей и взрослых на занятия по рисунку и живописи в Хайфе.

Программа обучения рисованию рассчитана как на желающих начать рисовать “с нуля”, так и на тех, кто хочет закрепить ранее приобретенные навыки.

На обучение рисованию принимаем всех желающих – детей, подростков, и взрослых. Пройдя наши художественные курсы живописи и рисования, вы очень быстро наберетесь мастерства для создания своих неповторимых авторских работ.

Хотите начать обучение?

Свяжитесь с нами!

Дом Искусств “Keshet Tslilim”
Хайфа, ул. Тель-Авив 11, 2-й этаж
Записаться также можно по тел.: 054 344 9543
https://www.ghenadiesontu.com/workshops/

Читайте также:

• Рисунок. Основы учебного академического рисунка. Учебник, Николай Ли

• Голова человека. Анатомическое строение. Основные движения. Пропорции. Опорные конструктивные точки и применение их в рисовании

• Организация работы и подготовительные упражнения. Оборудование, материалы, инструменты и их использование

• Постановка руки и развитие координации на простых упражнениях

• Основные закономерности восприятия и построения формы предметов и применение их в рисовании

• Движение. Общее понятие о движении. Виды движения. Движение, проявление работы конструкции. Изображение движения в учебном рисовании

Зачем человеку умение рисовать?

View fullsize

Человек, только желающий научиться рисовать, даже не представляет, как это умение может пригодиться в жизни. Но уже состоявшиеся художники знают все особенности творчества, и на основании их мнений можно выделить несколько причин, почему же стоит научиться рисованию:

1. Рисование — это отличный способ самовыражения. В процессе рисования человек познает себя, свои возможности и может в полной мере раскрыть личностный потенциал. В каждом человеке с рождения заложены определенные качества, которые могут отражаться в творчестве. Именно поэтому каждый из художников имеет свой индивидуальный узнаваемый стиль, который складывается благодаря чертам характера, восприятию мира и другим особенностям личности.

2. Рисование помогает развивать когнитивные функции. У вас улучшается зрительная память, визуальное восприятие предметов, мелкая моторика. Вы сможете смотреть вокруг особым более широким взглядом. Все вещи будут казаться другими, особенно станут поражать совершенные творения природы, когда Вы, посредством рисования начинаете замечать вокруг уникальные и гармоничные образы. Рисование- это ещё один способ познания мира!

3. Рисование — это приятное времяпрепровождение, доставляющее массу удовольствия. Когда человек самозабвенно творит, этот процесс не лишен положительных эмоций. Художник — это создатель чего-то совершенно нового и прекрасного, а кому не хочется почувствовать себя творцом и воплотить на бумаге то, что пока живет только в голове? Рисующий человек может запечатлеть все прекрасные картины и моменты, которые ему приходилось видеть, перенеся их на холст.

4. Рисование может повыть самооценку. С каждой успешной работой растет уровень самооценки художника. Конечно, в самом начале неизбежен страх перед критикой и боязнь показывать миру свои творения, но со временем, выработается своеобразный «иммунитет». Когда работы художника начинают обращать на себя внимание, радовать окружающих, он словно «расцветает», самооценка неизбежно поднимается, и он начинает вдохновенно творить и радовать мир новыми произведениями.

5. Рисование — это способ достижения покоя. Многие сравнивают процесс рисования с медитацией и не зря, ведь творчество позволяет погрузиться вглубь своего сознания и почувствовать целительное расслабление. Художник рисует, полностью отключившись от внешнего мира, поэтому все посторонние мысли, заботы или бытовые трудности непременно остаются на заднем плане. С помощью этого и достигается полное состояние покоя.

Хотите начать обучение?

Свяжитесь с нами по тел.: 054 344 9543
https://www.ghenadiesontu.com/workshops/

АКАДЕМИЧЕСКИЙ РИСУНОК: ОБЪЕКТИВНОСТЬ ВЗГЛЯДА, РОЖДАЮЩАЯ СОВЕРШЕНСТВО

Дисциплина, самоконтроль, внимательность, терпение, собранность – те немногие качества, которые воспитывает в нас академический рисунок. Ошибочно считать, что он доступен лишь в высших или среднеспециальных художественных учебных заведениях. Принцип обучения «от простого к сложному» позволяет заниматься академическим рисованием даже детям, начиная с этапа художественной школы или студии.

Что собой представляет академический рисунок?

Академический рисунок – это изучение реального мира предметов, а также построение человеческого тела по существующим классическим канонам. Основные материалы для работы: бумага, простые карандаши, ластик. Иногда применяют сангину, уголь, сепию. Главная задача академического рисования: точное копирование и изучение конструктивных особенностей объектов, не забывая про свет и тень (светотень) на изображаемых моделях.

Первые уроки посвящены знакомству с простыми геометрическими формами: шаром, кубом, цилиндром, призмой, конусом. Если понять конструкцию и распределение света на этих предметах, то в дальнейшем не составит труда разобрать более сложный объект, а далее и строение человека. Почему? Не секрет, что в основе всех предметов лежат простые геометрические формы. Да и человеческое тело мы можем условно разбить на те же геометрические части. На любой стадии рисунок может считаться законченным, если светотеневую моделировку и конструкцию вести одновременно по всей плоскости листа. Рисовать начинают от общей формы и заканчивают мелкими, детальными прорисовками. А теперь представим, что, попав в группу академического рисунка с нулевыми знаниями, мы зададим друг другу вполне логичный вопрос: «...как художник художнику: вы рисовать умеете?»

Но давайте забудем мифы о том, что основы академического рисунка «неподвластны новичкам», им нужно «учиться много-много лет» и вообще изначально «быть на уровне». Уберём страхи и громкий пафос. Академическое рисование может освоить человек на любой ступени художественной подготовки и знаний. Замечательный художник, педагог от бога Д. Н. Кардовский оставил вот такие мудрые слова: «..Важно выполнение самой сути рисунка, важна его сущность, а совершенство использования материала — дело второстепенное... Совершенство исполнения приходит само собой в результате длительной работы, как во всяком ремесле...»

Что такое техника в общем смысле?

Это мастерство, умение пользоваться приёмами и знаниями, полученными в процессе обучения от самого простого к более сложному. Давайте рассмотрим основы академического рисунка, которые в своей совокупности как раз помогают овладеть той самой «сильной техникой».

Какие материалы нужны начинающему художнику для рисования?

Каждый начинающий художник просто обязан изучить «инструменты» для рисования. Не надо на них экономить, но покупать самые дорогие на первых порах тоже не стоит. В чём нужно разобраться?

• Бумага. Для рисунка идеален качественный, плотный ватман;

• Линейка мягкости простых карандашей;

• Другие материалы рисования (соус, сангина, уголь, сепия, пастель, тушь);

• Подготовка к рисованию художественных материалов и рабочего места.

Отработка приёмов работы с карандашом

Простой карандаш – основной спутник академического рисования. С ним проще всего начинать и «ставить руку»:

• тренировать моторику упражнениями.

• Знакомство с линией, штрихом, пятном.

Понятия о композиции и ритме

Для грамотного размещения рисунка в формате листа, нужно узнать, что такое центр композиции и пространство картины. Какое движение, динамику можно задать на плоскости? Как развить пространственное мышление?

Изучение законов перспективы

Для того, чтобы любые тела и предметы «жили» в изображении – необходимо грамотно пользоваться знаниями перспективы. Как ведут себя объекты в пространстве? Что такое сокращение? Точка схода, линия горизонта?

Тональность

На этом этапе студенты узнают самые важные понятия света и тени.

Откуда берётся объём?

Что такое градации тонального пятна и цельность тональных отношений?

Знакомство и отработка на практике разных видов рисунка:

• Линейно-конструктивный. Использование простой, чёткой линии для конструктивного анализа форм. Предметы изображаются видимыми насквозь, в разрезе.

• Свето-теневой. Акцент ставится на освещении объекта, разборе светотени. Фон часто условен или легко затонирован.

• Тональный. Самый длительный по времени, с тональной проработкой не только фактуры предметов, но и всего фона.

Примерный список учебных заданий академического рисунка:

• Геометрические тела

• Рисунок драпировки

• Череп человека

• Рисунок обрубовочной головы (скульптурная голова, посечённая на крупные плоскости, задающие общую форму)

• Части лица скульптуры «Давида» Микеланджело (глаза, губы, нос, ухо)

• Рисунок гипсового орнамента (розетки)

• Скульптурная голова

• Голова натурщика

Читайте также:

• Рисунок. Основы учебного академического рисунка. Учебник, Николай Ли

• Голова человека. Анатомическое строение. Основные движения. Пропорции. Опорные конструктивные точки и применение их в рисовании

• Организация работы и подготовительные упражнения. Оборудование, материалы, инструменты и их использование

• Постановка руки и развитие координации на простых упражнениях

• Основные закономерности восприятия и построения формы предметов и применение их в рисовании

• Движение. Общее понятие о движении. Виды движения. Движение, проявление работы конструкции. Изображение движения в учебном рисовании
  

МОНОХРОМИЯ В ЖИВОПИСИ: ПОЧЕМУ ХУДОЖНИК ОТКАЗЫВАЕТСЯ ОТ ЦВЕТОВ?

Когда мы смотрим на произведения ликующего Рембрандта, откровенно-беспощадного Караваджо, нас увлекает не только харизма мастеров и круг сюжетов. Сама их живопись, насыщенная и густая по своей колористической мощи, напоминает вкус терпкого, выдержанного вина с ярким бликом, случайно упавшим на дно бокала. Контрастные тени и таинственный свет, играющие на лицах, предметах завораживают, словно окуная зрителя в другое измерение. А интрига заключается в том, что письмо художников практически монохромно. Сдержанные, приглушенные цвета, богатство тональных переходов и близких по цвету оттенков, бурная игра светотени – заставляют нас чувствовать нечто большее.

По мнению древних японских художников, монохромия в живописи – это не прихоть мастера, а осознанный шаг к развитию «внутреннего зрения». Не явное, а утаенное открывается в картине, настраивая созерцателя на духовные переживания.

Цвет или монохромия?

Одноцветность – прямое значение монохромной живописи. В основе этой техники лежит один цвет и множество его оттенков. Черный, белый, серый – верные спутники монохрома. При смешивании они дают возможность тонального разнообразия. Но ахроматическое «трио» может выступать самостоятельно, без дополнительного цвета. В таком случае это будет красивое тональное письмо – «гризайль» (от франц. слова gris - «серый»).

Неужели цветная картина неспособна вызвать в человеке глубокие мысли, переживания? Способна! И вызывает. Но однотонная монохромная живопись отвлекает взгляд от наносного, яркого, кричащего. Дает возможность увидеть не сам предмет, а его суть. Цвет же провоцирует на эмоции, эгоистично заостряя внимание на себе, часто ломает форму, которую художник хотел особенно выделить, искажает смысл, делает незаметнее технические приемы.

История развития монохромной живописи

Для мирового искусства одноцветная живопись давно являлась частью познания мира, своеобразным диалогом художника с природным началом, бесконечной вселенной. Безмятежность, спокойствие несет в себе письмо тушью и водой древних китайских и японских художественных школ. И почти во всех случаях символичность, недосказанность. Монохромная живопись суйбоку (или суми-э), датируемая в Китае в X-XIII вв., пришла в японскую культуру к XIV веку. Со всей своей лаконичностью, изящностью гибких линий и мягких, тональных пятен размытой туши на белом фоне – одноцветное, но необыкновенно выразительное искусство несло глубокий философский подтекст.

Экзальтированная, подверженная трагическому мистицизму европейская живопись барокко XVII века была особенно близка к технике монохромной живописи. Свидетельством этому творчество:

• итальянских художников: Джузеппе Креспи, Микеланджело Караваджо, Доменико Фетти;

• испанцев: Эль Греко и Диего Веласкеса;

• голландцев: Рембрандта Ван Рейна, Яна Вермеера, Герарда Терборха и многих других мастеров.

  С начала XX века – переворот во всем мировом искусстве. От глубокого разочарования и презрения опыта прошлых поколений мастеров, бегства в беспредметность к новой изобразительной эстетике. И вновь художник обращается к монохромии в живописи, отрешенной от реального мира и сосредоточенной на внутренних переживаниях и глубоких убеждениях. Супрематическая философия Казимира Малевича рождает на свет знаковый черный квадрат на белом, а дальше больше: его белые геометрические фигуры тают на светлом фоне холста, утверждая движение чистоты, «беспредметную белую природу» как «высшую ступень созерцательного состояния».

  В «голубом» и «розовом» периодах творчества Пабло Пикассо мы словно кожей ощущаем переход от щемящего отчаяния холодных серо-синих оттенков к мягкой теплоте кораллово-бежевых гамм. А между этими двумя периодами – символично появляется «Девочка на шаре», балансируя между счастьем и болью, жизнью и небытием, светом и тьмой.

Рисование предметов быта, труда, культуры

Постоянно и ежедневно необходимо рисовать не только в учебной аудитории со специально подготовленных моделей, но и в домашних условиях, изображая предметы бытового обихода, культуры, труда.
Принципы и методика рисунка с успехом могут осваиваться на таких предметах, как мебель, посуда, кухонная утварь, так как все они имеют в большинстве случаев геометрическую основу конструкции и вместе с тем разнообразны по форме и пластике. Среди предметов домашнего обихода встречаются прекрасные образцы народного творчества или образцы декоративно-прикладного искусства того или иного стиля, в создании которых подчас принимали участие художники или архитекторы.
Художественная выразительность этих предметов основана на единстве материала и конструкции, фактуры и цвета. Начинать рисование нужно с более простых предметов, имеющих в основе одну геометрическую форму, и переходить затем к более сложным формам, состоящим из сочетаний нескольких геометрических форм. Предметы быта весьма разнообразны по форме, фактуре и цвету. В начале учебного рисования основное внимание следует обращать на конструктивное построение формы, не увлекаясь на первых порах чрезмерно живописной стороной фактуры и цвета. Предметы быта для рисования вначале следует выбрать более простой формы — близкой к кубу или параллелепипеду, например ящик, коробку, шкатулку и тому подобное (рис. 1, 2). Рисовать нужно как внешний вид предмета, так и внутренний, выдвигая среднюю часть спичечной коробки или открывая крышку шкатулки и непременно в различных поворотах. Затем можно перейти к рисованию предметов, включающих в себя цилиндрические и конические формы — кружки, бидона, ведра (рис. 3, 4), опять-таки изучая особенности их построения со всех точек зрения.

Рис 1. Рисунки ящиков и коробок

Освоив построение простых предметов, можно брать для рисования более сложные, поверхности которых образованы изогнутыми линиями, например крынку, кувшин, чайник, вазу, музыкальные инструменты, а в дальнейшем и предметы, поверхности которых украшены орнаментами. В конце следует поработать над натюрмортом, составленным из продуманно подобранных по форме, цвету и смысловому значению, а также хорошо компонующихся друг с другом предметов обихода (рис. 5). Эти упражнения помогут развить чувство относительных соотношений одного предмета к другому, умение подчинить перспективное построение целого ряда предметов с одной точки зрения и передать единые условия их освещения. Работа над натюрмортом из бытовых предметов ставит перед рисующим вопросы влияния цвета и фактуры на светотеневые отношения и на восприятие размеров формы.

Рис 2. Последовательность учебного рисунка натюрморта

При рисовании предметов, форму которых образуют тела вращения, после пометки общих размеров нужно провести основную ось вращения, симметрично которой строятся все формы. Эту ось нужно чувствовать и помечать не только при фронтальном положении предмета, но и при любом его повороте относительно точки зрения.

Рис 3. Последовательность рисунка натюрморта

При рисовании сложных предметов, образованных рядом геометрических форм, необходимо проанализировать все составляющие их части и пометить характерные точки линий пересечения или сопряжения. Этот анализ даст возможность точнее определить характер конструкции, правильнее построить перспективу рисунка, учитывая пространственное сокращение форм, видимое с данной точки зрения, сознательно построить элементы светотени.

Рис 4. Последовательность рисунка табуретки

Формы многих предметов бытового обихода, например табуретка, стул, стол и тому подобное, позволяют видеть аналогично проволочым моделям одновременно многие составляющие элементы. Рисование этих предметов имеет большое значение, так как дает возможность более сознательно строить все конструктивные узлы, видимые в пространстве, и понимать их взаимосвязь между собой и с общей формой. Прежде всего нужно увидеть эту общую большую форму, в которую вписываются все элементы конструкции, например параллелепипед табуретки, а затем в ней помечать уже более мелкие формы отдельных деталей, все время следя за правильностью построения конструкции, пропорций, перспективы и связью деталей и общего.

Построение светотени на этих предметах помогает понять и закрепить на практике построение теней в пространстве, что непосредственно подводит к пониманию теории теней в архитектуре. Особый интерес представляют музыкальные инструменты. Их сложная и изощренная форма вырабатывалась веками. Форма, конструкция и функциональность инструмента настолько великолепны, что по отношению к нему вполне уместно сказать, что он является произведением искусства. Например, скрипка (рис. 5). Это удивительное творение человека достойно не только любования, но и изучения. В самом деле, гармоничность этого маленького, легкого, полного изящества инструмента идеальна. Это относится ко всем музыкальным инструментам. Вероятно, это достигается не только качеством материала и мастерством исполнения, а отработанностью форм, конструкций и пропорций, поэтому при их рисовании недопустимо малейшее отклонение от пропорций. На рисовании музыкальных инструментов воспитывается чувство тонких пропорций, красоты линий и форм, а в конечном итоге и вкуса. Музыкальные инструменты нужно не только рисовать или писать как натюрморт, но и изучать их, рисуя в различных положениях. При этом надо строго следить за пропорциями, анализировать конструкции, сопровождая рисунок разрезами в характерных сечениях и деталями.
Последовательность ведения рисунка обычна. Рекомендуется начинать с основных видов (положений), затем переходить к разрезам и деталям, а затем к рисованию общего вида в различных ракурсах, одним из которых должно быть «рабочее» положение в руках человека, характерное для данного инструмента.

Mы приглашаем детей и взрослых на занятия по рисунку и живописи в Хайфе.

Программа обучения рисованию рассчитана как на желающих начать рисовать “с нуля”, так и на тех, кто хочет закрепить ранее приобретенные навыки.

На обучение рисованию принимаем всех желающих – детей, подростков, и взрослых. Пройдя наши художественные курсы живописи и рисования, вы очень быстро наберетесь мастерства для создания своих неповторимых авторских работ.

Хотите начать обучение?

Свяжитесь с нами!

Хайфа, ул. Тель-Авив 11, 2-й этаж
Записаться также можно по тел.: 054 344 9543
https://www.ghenadiesontu.com/workshops/

Творческие каникулы «Арт-Кайтана”

Летние каникулы– самая долгожданная и любимая детьми пора и настоящий бег с препятствиями для родителей, ведь всем хочется, чтобы ребенок проводил это время весело и с пользой!

Мы точно знаем, что лето может стать интересным и насыщенным, ведь специально для этого в нашей студии летом будет открыта творческая мастерская для детей 8-15 лет.

Мы запускаем летние интенсивы, каждый продолжительностью 5 дней. Занятия проходят с понедельника по пятницу, с 9:00 до 13:00.

1-я неделя: 22.07.19 - 26.07.19

2-я неделя: 05.08.19 - 09.08.19

3-я неделя: 12.08.19 - 16.08.19

На «Арт-Кайтане”ваш ребенок познакомится и овладеет разными творческими техниками живописи, дизайна, графики, керамики и моделирования, коллажа и иллюстрации.

Интенсив — это совмещение образования с развлечением. Мы будем слушать интерактивные лекции, обсуждать новые знания, фантазировать и, конечно, много рисовать разными материалами, пробовать разнообразные техники и изучать приемы живописи и рисунка. В течение пяти дней дети погружаются в определенную тему и исследуют её в разных форматах, индивидуально и в группах. Наша задача — увлечь детей, помочь им провести время интересно и с пользой и дать им новые знания.

Все занятия проходят на территории Дома Искусств “Keshet Tslilim”.

Оплата: При предварительной оплате и заключении договора стоимость кайтаны - 500 шек. за 5 дней (включая материалы). При оплате в первый день интенсива стоимость - 550 шек. При оплате по дням (1 и более) - стоимость 1 дня - 150 шек.

Спешите, количество мест ограничено на 12 детей в каждой групе !

Дом Искусств “Keshet Tslilim”

Хайфа, ул. Тель-Авив 11, 2-й этаж

Записаться также можно по телефону:

+972 54 344 9543

https://www.ghenadiesontu.com/artkaytana

https://www.facebook.com/events/2098662073590542/

Композиция в учебном рисунке. Что значит «хорошая правильная композиция»?

Приступать к рисованию непосредственно на листе можно лишь тогда, когда определена тема, т. е. цель и задачи данного рисунка, упражнения. Прежде всего необходимо решить задачу композиции, сначала мысленно, а затем на листе бумаги. Как говорят рисовальщики, нужно «взять хорошую композицию», или «скомпоновать рисунок». Что это означает? Какое значение имеет в учебном рисовании? И, наконец, существуют ли какие-либо правила или приемы, помогающие решению композиции рисунка на листе?
Слова «композиция» и «компоновка», безусловно, связаны одним смысловым значением, но употребляются в разных моментах творчества. Слово «композиция» происходит от латинского «составление», «сочинение». Этот термин меет в искусстве и широкий, и узкопрактический, в некотором смысле ремесленный оттенок.
В широком смысле слова этот термин употребляется в музыке, литературе, театре, кино, архитектуре и в изобразительном искусстве. В творческом отношении — это общий замысел, структура произведения искусства, наиболее полно выражающая его идею. В техническом отношении — расположение частей и связь их между собой в единое целое.
При создании композиции по представлению происходит сложный творческий процесс поиска. В этом случае немыслимо сразу разместить всю композицию без предварительной подготовки, которая сама по себе может распадаться на решение целого ряда отдельных задач и работ, порой требующих много времени.
Задача данного раздела состоит в том, чтобы направить внимание учащегося на рациональное размещение и последовательность ведения учебного рисунка с натуры, по памяти, по воображению.
При учебном рисовании с натуры одного или двух-трех предметов задачи композиции сводятся к целесообразному размещению рисунка на листе бумаги. В этом случае прежде чем приступить к выполнению простой учебной задачи, всю подготовительную работу необходимо проделать в уме: нужно уметь представить работу уже нарисованной. При решении композиции учащийся должен учитывать все стороны учебного рисунка — конструкцию, движение, пропорции, перспективу, светотень, цвет и фактуру изображаемых на листе предметов.
Поэтому термин «композиция» принято употреблять в учебном рисунке и при выполнении самых элементарных первоначальных упражнений. Вообще резкое деление работы на техническую и художественную весьма условно: одна переходит незаметно в другую и на деле слиты в процессе рисования.
Более того, на простых учебных упражнениях при правильном методическом подходе закладываются и воспитываются основы понимания композиции, необходимые для будущей творческой деятельности, для решения сложных композиционных задач. Композиция является в конце концов самым главным составляющим произведения искусства, венцом мастерства и творчества, ею нельзя пренебрегать с первых шагов обучения.
В узком смысле слова композиция в учебном рисунке — это правильный выбор размера и расположения предмета на взятом формате листа бумаги. Плохое расположение (плохая композиция) заметно снижает достоинство технически хорошо выполненного рисунка предмета, тем самым снижается впечатление от работы в целом.
Что значит «хорошая правильная композиция»? В практическом понимании это означает экономное, удобное, наиболее целесообразное, грамотное и последовательное решение определенной задачи. Необходимо добавить, что выполнение той или иной работы в любой отрасли практической деятельности человека всегда строго обусловлено данными реальными условиями: временем, местом, материалом, а в проектной работе архитектора, кроме того, масштабом, размером и даже форматом представляемых чертежей. Чем рациональнее и методичнее организована работа, тем меньше времени она потребует и будет плодотворнее. Необходимы особые знания и расчет, чтобы не делать лишней работы. Эти качества необходимо воспитывать. При правильной методической постановке весь процесс рисунка должен служить школой воспитания композиционного качества, о котором говорит в своих педагогических заметках скульптор А. С. Голубкина: «... чтобы перейти к этому настоящему искусству, надо хорошо изучить его ремесленную часть, которая очень проста, целиком поддается знанию и вычислению и преодолевается вниманием, усвоением порядка работы, сдержанностью и дисциплиной». Итак, после того, когда ясно осознана задача данного упражнения и решено, что должно входить в композицию, первым шагом является выбор размера изображения и его размещение на листе. Это очень ответственный момент. Случайное, необдуманное размещение изображения требует зачастую переделки, перетираний, ведет к потере времени и притупляет свежесть восприятия. Иногда это вызывает неудовлетворенность и нежелание уже в начальной стадии продолжать рисунок, теряется интерес к работе. Если же подойти к композиции обдуманно и с расчетом, то грубым ошибкам не может быть места. Первая задача рисующего — уместить изображение на выбранном размере и формате листа — должна оставаться постоянным жестким требованием, одной из основ учебного рисунка.
Размещение изображения на листе определяется следующими условиями: предметом изображения, поставленной задачей данного упражнения (темой), форматом и размером листа. Если в творчестве многообразие задач определяет и разнообразие композиционных решений, то ограниченные той или иной целью (конструкция, движение, светотень, перспектива) задачи учебного рисунка с натуры, по памяти, по воображению предъявляют более строгие требования к размещению рисунка на листе бумаги.
На рис. 1 дано несколько примеров размещения изображения головы человека на листе бумаги заданного размера. Поскольку целью начальной стадии обучения является изучение формы головы, ее конструкции и пропорций, то размер изображения следует брать ближе к натуральному размеру живой головы (чуть меньше), размер листа 30х40 см будет использован при этом достаточно рационально. Размещать изображение головы нужно посередине, несколько приподнимая его вверх. Из всех приведенных примеров композиционного решения правильным будет размещение изображения в последнем случае (рис. 1,г; 2).

Рис 1. Расположение рисунка головы на листе бумаги в учебных целях а — перспективная ситуация — объект, зритель, картинная плоскость, лист бумаги; б — е — неудачно; ж — удовлетворительная компоновка рисунка на листе

Исходя из темы и задачи упражнения после выбора точки зрения нужно пометить на листе размещение того, что войдет в композицию: например, предмет без фона и подставки, предмет на подставке с падающими тенями на нее (рис. 2), группа предметов (натюрморт) в соответствующих условиях, иногда из всех находящихся на столе предметов нужно нарисовать только один, например кувшин (рис. 3). На рис. 3,а показана компоновка кувшина без падающей тени, а на рис. 3,6 — с включением в композицию падающей тени. На рис. 100 видно, как может влиять задача, поставленная перед рисующим, на композиционное размещение. При линейном рисунке масштаб изображения должен быть взят, возможно, более крупным — лист будет достаточно заполнен самими изображаемыми предметами. При рисунке того же натюрморта со светотеневой проработкой и решением пространства изображение следует взять меньшим, чтобы свободное поле листа передавало ощущение пространства.

Рис 2. Компоновка на листе бумаги изображения предметов с падающей тенью и без нее а — группа предметов, из которых один (цилиндр) выбирается для изображения; б — без падающей тени; в — с падающей тенью

Чтобы правильно вести компоновку изображения на листе, нужно научиться пользоваться: 1) крайними точками и 2) так называемым центральным лучом. В зависимости от формы предмета и от формата листа следует зрительно оценить, какой размер является определяющим в данном случае: ширина или высота. На листе помечаются крайние точки будущего изображения сначала в одном направлении листа, например в вертикальном, а затем в перпендикулярном ему. Намечается как бы основание зрительной пирамиды, образованной лучами зрения, в которое вписывается композиция (см. рис. 3). Эти крайние точки нужны для того, чтобы сразу разместить на формате листа изображение. Тем самым определяется его место на листе, размер и, следовательно, масштаб.
В начальных учебных упражнениях по рисунку с натуры главным является штудирование формы предмета, поэтому формат листа должен быть использован как можно полнее и размер изображения должен приближаться по возможности к размеру натуры, так как в маленьком по размеру рисунке предмета большие ошибки не заметны, а на большом изображении видна и малая ошибка. Вторым важным моментом в последовательности размещения (ведения рисунка) является пометка на листе следа так называемого центрального луча. Так как проекция центрального луча на листе бумаги есть не что иное, как центр основания зрительной пирамиды (см. рис. 1), совмещенной своими сторонами с границами композиции, то он совместится с центром того места на листе, где должно быть размещено изображение. След центрального луча нужен для того, чтобы обозначить его проекцию в центре изображения, намеченного на листе первоначально крайними точками, от этой проекции легче отыскивать и точно намечать характерные узлы, определяющие конструкцию, движение и пропорции форм предметов.
Пометив центр композиции на листе, нужно определить, куда же падает центральный луч в реальном пространстве, в натуре. Для этого сначала при помощи горизонтали вся задуманная композиция на натуре зрительно делится пополам между крайними вертикальными точками, а затем при помощи вертикальной линии пополам между крайними боковыми точками. Пересечение этих линий и дает геометрический центр композиции, заключенной в границах зрительной пирамиды, с данной точки зрения.

Рис 3. Композиционное размещение рисунка на листе бумаги а — предметы для рисования (модели); б — компоновка выбранного предмета без падающей тени; в — с падающей тенью

Известно, что наше зрение лучше оценивает кратные отношения: например, сначала легче найти половину (середину) размера, а затем расхождение, если оно есть, от половины. Центральный луч как бы делит проекцию изображения пополам по вертикали и горизонтали, от него потом откладываются характерные пункты, точки композиции. Этот прием (см. рис. 4), основанный на законах зрительного восприятия, позволяет делать меньше ошибок в компоновке (в размещении), размерах и пропорциях, что чрезвычайно важно в самом начале процесса рисования. Ниже на примерах рисования различных форм, в том числе и фигуры человека, дается наглядное представление о том, как намечается композиция изображения, а также показывается наиболее целесообразное (вырази- тельное) размещение того или иного предмета на определенном формате листа бумаги при решении конкретных задач.
Прежде чем приступить к исполнению рисунка на листе данного формата, полезно сделать несколько эскизов композиции малого размера (на полях крупноформатного листа или в блокноте). Это особенно важно при рисовании архитектурных объектов, сложных натюрмортов, движений человеческой фигуры или группы фигур, при рисовании по представлению.

Рис 4. Компоновка на листе бумаги изображения натюрморта из геометрических тел а — заданный натюрморт; б — компоновка с большим пространством; в — с меньшим пространством

Но все же, чтобы быстрее выработать умение решать композиционные задачи с помощью рисунка, ученик архитектурной школы должен как можно раньше познакомиться с процессом архитектурного проектирования. Он обязан, изучая историю архитектуры и изобразительных искусств, не ограничиваться только знакомством с архитектурными композициями в законченных формах (как в натуре, так и на чертежах и макетах), изучением творчества отдельных архитекторов, а также социальноэкономических условий, в которых создавались те или иные произведения. Будущему архитектору эти знания необходимо связывать также с конкретным изучением места и роли рисунка в так называемой «творческой кухне» того или иного мастера архитектуры прошлого и настоящего.

рекомендация литературы по этой теме:

1) The Elements and Principles of Composition for Drawing and Painting By (author) John Bollenbacher

2) Композиционная грамота в рисунке: теория и методика by Баймурат Оспанов (Author)

Цвет и фактура. Внешние свойства предметов, влияющие на восприятие пластики формы и ее тональное изображение

Предметы, окружающие нас, имеют различную цветовую окраску и фактуру поверхности, которые влияют на их внешний вид и создают бесконечное богатство впечатлений для глаза зрителя. Знание влияния цвета и фактуры на зрительное восприятие и умение сознательно применять это при различных условиях освещения составляют одну из серьезных сторон деятельности архитектора, художника, скульптора. Если художнику знание цветовых и фактурных свойств предметов позволяет правдиво передать их средствами живописи или графики на плоскости картины, то для архитектора, художника-прикладника и скульптора ясное представление и учет этих свойств материала дают возможность предвидеть, какой именно по цвету и фактуре материал необходимо применить, чтобы в натуре при выполнении проекта получить ожидаемый творческий результат.
Учет фактуры и цвета материала во многом предрешает успех при создании предметов прикладного искусства, скульптуры, а также при создании внешнего вида и внутреннего пространства отдельного сооружения или целого архитектурного ансамбля. Используя эти качества предметов, мастер должен рассчитывать на организацию определенного настроения у зрителя.
От архитектора, как правило, в графическом изображении на стадии проектирования не требуется всесторонней передачи этих качеств, особенно фактуры. Графика архитектора может быть в достаточной мере условной. Но в процессе обучения рисунку, для того чтобы глубже познать и понять, а потом использовать в практике, необходимо ряд работ сделать с полной передачей цвета и фактуры в различных световых условиях.
Возможности передачи цвета в рисунке ограничены. Одноцветный рисунок карандашом, углем, тушью, сангиной не может полностью передать всей характеристики цвета: цветового тона, его насыщенности и светлоты. Средствами одноцветного рисунка возможно передать лишь одну сторону цвета — его светлоту. Поэтому разные цвета, имеющие одинаковую светлоту, будут изображены на рисунке, строго говоря, одной силой тона. Однако, имея одинаковую светлоту и насыщенность, различные цвета могут иметь различную броскость или заметность. Это их свойство в какой-то мере может быть передано в одноцветном рисунке. На светлых предметах светотень более контрастна, на темных светотеневые градации сближаются. Светлота какого-либо цвета не может достигать светлоты белого и темноты черного ахроматического тона, поэтому, если диапазон градации светлоты ахроматического тона может простираться от белого до черного, то диапазон градации светлоты хроматических цветов ограничен более узкими рамками.
Различные фактуры предметов одних и тех же формы и цвета от глянцевых матовых до шероховатых производят различное впечатление, обусловливая характер свето-цветовых отношений, увеличивая или уменьшая контраст между освещенной и затемненной поверхностями. Так, например, рассматривая форму шара в одинаковых условиях освещения, можно обнаружить, что на шарах с одинаковой матовой поверхностью контраст между светом, полутенями, тенью и рефлексом мягче на шаре более темного цвета; контраст между этими элементами светотени проявится сильнее на шаре более светлого цвета. При рисовании головы человека одноцветным графитным карандашом могут быть переданы разница фактуры и цвета кожи, глаз, волос, одежды путем правильно взятых локальных тональных отношений, а также соответствующих каждой фактуре закономерностей светотени.

На формах, имеющих зеркальную поверхность, наблюдается нарушение привычной для матовых тел закономерности распределения светотени. Объясняется это тем, что зеркальные поверхности, полностью отражающие окружающие предметы всеми своими сторонами, могут получить отражение темных предметов на форме в свету и, наоборот, светлых в тени, а также могут иметь довольно много дополнительных бликов как в свету, так и в тени.
Прозрачные тела позволяют видеть предметы, находящиеся за ними (рис. 2). Преломление лучей в той или иной форме прозрачного тела изменяет видимые сквозь них очертания предметов, а степень прозрачности и цвет прозрачных тел вносят определенные изменения в цвето-световые отношения. Схема на рис. 94 показывает общий принцип отражения (и преломления) лучей плоской и изогнутой поверхностями с различной фактурой: зернистой, глянцевой и прозрачной. По этим схемам можно понять, почему формы с разными фактурами поверхности производят то или иное зрительное впечатление.

Рис 2. Передача различной фактуры и цвета в рисунке одноцветным графитным карандашом

В практике приходится часто сталкиваться с рисованием отражения предметов в зеркальных поверхностях или глади воды. Архитектору при проектировании интерьера иногда приходится применять зеркальные поверхности в расчете на тот или другой зрительный эффект, поэтому он должен, хотя бы в общих чертах, представлять суть построения зеркальных отражений. Принцип построения зеркального отражения весьма прост и понятен. Лучи света, идущие от любых точек предмета, отражаются от зеркальной поверхности и попадают в глаз зрителя. Точка зеркала, в которой отражается какой-либо луч света, будет находиться в том месте, где угол падения луча, идущего от предмета, будет равен углу отражения этого луча в глаз зрителя.
Из простого геометрического построения явствует, что для того чтобы найти на поверхности зеркала точки отражения каких-либо характерных лучей, т. е. те точки, в которых будут представляться находящимися точки предмета, отраженного в зеркале, следует от характерных точек предмета провести перпендикулярно зеркальной поверхности линии и на них за зеркалом отложить расстояния, равные расстояниям от точек предмета до зеркальной поверхности. Проведя из полученных таким образом точек за зеркальной поверхностью лучи в точку зрения, мы получим в местах пересечения этих лучей с зеркальной поверхностью нужные нам точки отражения, в которых мы увидим отраженные точки предмета, так как именно в них угол падения луча будет равен углу его отражения в наш глаз.
Можно представить себе, что, если продолжить бесконечно во всех направлениях зеркальную плоскость, то за ней как бы образуется второе пространство, расположенное симметрично действительному. Зеркальная плоскость будет служить плоскостью симметрии между этими двумя пространствами: действительным пространством с реальными предметами, находящимися перед зеркалом, и мнимым пространством с отражениями предметов за зеркалом. Это представление должно помочь пониманию процесса построения зеркальных отражений и их перспективных сокращений. Вид зеркальных отражений точно так же, как и вид самих предметов, подвержен всем перспективным сокращениям, но следует помнить, что в зеркальных плоскостях, расположенных наклонно, получаются непривычные для нас положения отраженного пространства с необычным расположением вертикальных и горизонтальных в действительности линий. Построение перспективного изображения таких зеркальных отражений требует других точек схода, это легче понять и проследить в натуре.
Зеркальные отражения можно наблюдать во многих случаях: в зеркалах, в стеклах витрин, в глянцевых поверхностях различных предметов, в глади тихой воды.
Для того чтобы понять и освоить на практике принцип построения зеркальных отражений, можно использовать простое плоское зеркало. Помещая зеркало в различные положения по отношению к какому-либо предмету и меняя точку зрения по отношению к предмету и зеркалу, можно получить самые различные комбинации построения зеркальных отражений, усвоение которых достаточно для их понимания и применения в рисунке.

рекомендация литературы по этой теме:

1) Color Mixing Guides: Color Wheel (9-1/4") Plus Creative Color Wheel (9-1/4") with Color sectors Showing Relationships Between Colors

2) The Color Star 1st Edition by Johannes Itten

3) Artist Toolbox: Painting Tools & Materials A practical guide to paints, brushes, palettes and more