Базовые акварельные техники для начинающих. Условная классификация акварельных техник.

Акварельные краски были известны еще в древнем Египте, в древнем Китае и странах античного мира. Долгое время письмо ими считалось лишь одной из составляющих графического рисунка. Живопись акварелью в современном ее представлении возникла сравнительно недавно: в конце XVIII – начале XIX вв. Тогда она приобрела независимость и стала одной из самых сложных техник рисования.
Существует множество различных приемов исполнения акварельных работ. Эти способы можно выделить и классифицировать лишь условно, в зависимости от определенных факторов.

Условная классификация акварельных техник

Прежде чем вы начнете, вам необходимо освоить основные техники рисования акварелью:

Техника “мокрым по мокрому”

Этот метод предполагает нанесение влажной краски на влажный фон, чтобы разбавить ее, но при использовании данной техники вам придется точно рассчитывать время!

Лучший способ смачивания бумаги – использование натуральной губки. Этот способ намного быстрее, чем смачивание кистью, плюс им гораздо легче можно определить, насколько влажная ваша бумага. Осторожно сделайте несколько мазков краской, чтобы посмотреть, в каком направлении она потечет. Если вы обнаружите, что краска растекается слишком быстро, подождите несколько минут, чтобы бумага немного подсохла, а затем рисуйте максимально быстро, прежде чем она станет слишком сухой.

Техника алла прима мокрым по сухому

Художники обычно используют эту технику для создания углов. Если вам нужно заострить края на вашей картине, надо подождать полного высыхания всей уже нанесенной краски, прежде чем делать другие мазки. Если краски полностью высохли, то картина останется такой же, как вы ее нарисовали. Если они высохли не полностью, новый слой смешается с изначальным (это делается намеренно, когда вы рисуете в стиле «мокрым по мокрому»).

Техника «сухой кисти»

Рисование сухой кистью – это прекрасный способ добавления деталей на вашу картину. Кончик кисточки должен быть смочен, но не перегружен краской. Сама краска должна быть достаточно жидкой, чтобы попадать на бумагу при небольшом давлении не растворения при этом слой краски под ней. Цель такого рисования состоит в создании или смешивании цвета короткими точными касаниями и удобной работе с грубой бумагой.

Техника рисования лессировками

Многослойная акварельная живопись (Лессировка).
Этот прием заключается в нанесении нескольких (рекомендуют 2-3) слоев краски по сухой поверхности листа бумаги. Картина в этом случае приобретает некоторую «сухость» по сравнению со сделанной «по сырому», но художник может добиться высокой детализации предметов. Этот прием еще называют "лессировкой". Лессировка - нанесение тонкого прозрачного слоя краски поверх уже имеющегося рисунка. Лессировку можно использовать как на малых, так и на крупных участках работы.
Лессировка*  – (от нем. Lasierung) – один из приемов живописной техники, состоящий в нанесении очень тонких слоев прозрачных и полупрозрачных красок поверх высохшего плотного слоя. Основное значение данного приема – достигать особой легкости и звучности тона или вносить тонкие цветовые коррективы в детали живописи, что возможно благодаря законам оптического смещения.

Отсутствие белой краски

Ни для кого не секрет, что в акварели отсутствуют белила. Белый цвет передается за счет цвета бумаги. Другими словами - художнику все время нужно помнить о тех участках, которые он должен оставить белыми и "обходить" их цветом, оставляя нетронутыми.

Такой прием называют «резерваж». Сейчас продаются специальные материалы на основе латекса, которые помогают защитить необходимые участки листа. Называются они "маскирующая жидкость для акварели" или "изолирующее средство для акварели".

Парафин

Свойство парафина не смачиваться водой позволяет «защитить» некоторые участки бумаги от краски. Данный прием может использоваться на любой стадии работы (как на чистом листе, так и по уже нанесенному рисунку), но, в любом случае, основа должна быть сухой. В качестве современных альтернатив парафину существуют разнообразные резервирующие средства. Некоторые художники пользуются для этих целей простым резиновым клеем.  

Соль

Соль (как крупная, так и мелкая), рассыпанная по сырой акварели неравномерно разъедает краску и создает на пятне особую фактуру. Этот прием эффективен по первому слою краски. Когда работа высохнет соль можно удалить сухой тряпкой или даже рукой.

Черешок кисти/мастихин

Пока работа еще сырая некоторые детали можно просто “процарапать” черешком (обратной стороной) кисти либо мастихином (художественным шпателем).

Прием монотипии

Монотипия – графическая техника суть которой заключается в получении единственного уникального отпечатка от живописной или графической основы. Для акварельных листов, сделанных в технике монотипии, свойственно богатство фактур, произвольность цветовых пятен, необычность световых соединений.
Разновидностями этого способа являются приемы отлипов от разных поверхностей (целлофан, ткани, птичьи перья и т.д.)

Пастозное письмо по-сырому  

Использование этого приема позволяет выявить такие особенности акварельных красок, как самосоединение пятен, возможности растяжки цвета. Лучше использовать толстые сорта бумаги. Лист смачивается с двух сторон губкой или опускается в воду, пока он не наберет влагу,  затем кладется на оргстекло или пластик. Легким движением бумага расправляется, выдавливаются воздушные пузыри и лишняя вода. Работа ведется в один прием по горизонтальной поверхности. Краски не должны быть жидкими. Хорошо подходят краски в тубах После работы лист перекладывается на фанеру или картон. При таком способе письма возможно применение эффекта соли, или предварительной обработки поверхности листа парафином, а также способы процарапывания черенком кисти или выбирание краски лезвием. 

Поддержи проект!

Одна «чашка кофе» поможет существовать проекту целый месяц! Если вам нравится рисование, и наши статьи оказались вам полезны, поддержите нашу школу рисования!

Paypal:

paypal.me/ghenadiesontu

Яндекс.Деньги:

4100116350573968

Какие акварельные краски выбираем для рисования?

Акварельные краски изготавливаются из цветных пигментов и связующего вещества. Связующим являются растительные прозрачные клеи – гуммиарабик и декстрин, легко растворимые водой. Акварельные краски содержат также глицерин и мед в качестве пластификатора, удерживающего влагу и препятствующего пересыханию. Краски содержат и поверхностно – активное вещество – бычью желчь, позволяющую легко разносить краску по бумаге, а также антисептик фенол, предотвращающий разрушение красок плесенью. Краски различаются по качеству пигмента и по способности выцветать.

Выпускаются они в трёх видах: твёрдые и полумягкие в кюветах и плитках, мягкие в тюбиках и жидкие во флаконах. Предпочтительно работать полумягкими и мягкими красками с большим содержанием глицерина и мёда, легко растворимыми в воде. Жидкие краски употребляются чаще в книжной графике, либо при работе с большими поверхностями. Краски наилучшего качества – это профессиональная художественная акварель, изготавливаемая из очищенных пигментов с более насыщенными цветами. Недорогие ученические краски содержат меньше пигмента, более низкого качества, основную массу их составляют наполнители, которые не позволяют достичь нужной глубины цвета. Эти краски зачастую ложатся пятнами, более склонны к выцветанию. Продаются краски в виде наборов и отдельными тюбиками и кюветами. Наборы упаковываются в пластиковые, металлические и деревянные коробки, часто снабженные палитрами. В наборах как правило кюветы являются съёмными, что позволяет добавлять израсходованные краски, изменять набор цветов, исходя из личных предпочтений. Из всего многообразия предлагаемых красок можно посоветовать продукцию санкт- петербургского завода «Невская Палитра». Выбор красок в художественном салоне и ассортимент кювет в наборах могут привести в замешательство.

Но большое количество красок в наборе иметь совершенно не обязательно, более того, это просто неудобно. Не только начинающие акварелисты, но и профессиональные художники, как правило, пользуются ограниченной палитрой любимых красок, состоящей из 12 – 14 цветов. И здесь не может быть строгих рекомендаций, за исключением степени прозрачности красок. Наборы «Белые ночи» и «Санкт-Петербург» выпускаются в пластиковых и деревянных коробках по 12, 24, 36 и 48 цветов. Краски этого завода отличаются своей яркостью, насыщенностью, чистотой цвета и высокой светостойкостью.

Существует множество других красок, производимых известными фирмами, зарекомендовавшими себя на рынке. И, быть может, они понравятся больше.

По составу красок в акварели наиболее сбалансированным и удобным для практического использования можно считать, например, набор в 24 цвета «Санкт-Петербург».

Познакомимся подробнее с набором акварельных красок из 24-х цветов и разберем логику его формирования. При стандартном заводском расположении красок можно сразу отметить разделение на две группы ( в пластмассовой коробке они разделены отделением для кистей) – теплые и холодные. Расположение родственных красок по аналогии с местом их цветового тона в спектре облегчает как процесс их сравнения, так и механического смешения, так как меньше загрязняет краски нечаянным попаданием в них противоположных оттенков. Самые «сильные» по цвету и свойствам пигмента краски, случайное попадание в которые наименее желательно, – фиолетовая и кармин расположены в левом верхнем и правом нижнем углах коробки. Для того чтобы на практике почувствовать разницу в цветосиле, прозрачности и укрывистости красок рекомендуется выполнить простое упражнение на изображение спектрального круга.

В первом случае он выполняется с помощью трех основных цветов (желтый, красный, синий), но краски, дающие эти цвета, следует выбрать разные. 1 вариант: кадмий лимонный – краплак красный – голубая ФЦ; 2 вариант: кадмий желтый – пигмент алый – ультрамарин. Различия при получении составных цветов – их яркость и прозрачность, даст первоначальный опыт понимание особенностей отдельных красок и их механического смешения. Третий спектр рекомендуется выполнить используя всю имеющуюся палитру. После его выполнения останутся краски «незадействованные» в работе – они имеют пригашенный цветовой тон и носят название земляных.

Степень прозрачности красок особенно важна при многослойной технике, так как первые слои должны выполняться наиболее прозрачными красками, имеющих сильное сцепление со структурой бумаги, вследствие чего, они не смываются последующими слоями. Прозрачность краски обеспечивается особенностями пигмента и тонкостью его помола. Корпусные – краски с невысокой прозрачностью можно использовать в последних слоях или в технике «аль- прима». Проверить степень прозрачности красок можно, нанеся их раствор на черную бумагу – чем прозрачнее краска, тем менее заметным она будет на черном фоне.

Для того, чтобы определить, какие краски являются лессировочными, а какие – корпусными, можно сделать выкраски раствором каждой краски на черной бумаге. Лессировочные краски будут едва заметны, а корпусные оставят на черной бумаге хорошо различимый след.

Основное различие прозрачных и кроющих техник, например, акварели и гуаши заключается в том, что гуашь теряет свои качества при недостаточной укрывистости красочного слоя, а акварель, наоборот, по настоящему работает только при той степени прозрачности, когда через красочные слои просвечивает бумага. Белая бумага имеет наибольший коффициент отражения солнечных лучей, чем усиливает яркость положенной на нее прозрачной краски, создавая ей «подсветку». Гуашь имеет мучнистую основу, содержащую каолин (качественную белую глину), мел или белый пигмент, что и определило противоположную акварели технику нанесения красок. В технике гуаши наносимый слой краски для передачи яркости цветового тона, должен быть достаточно толстым и кроющим, а такой метод не позволяет использовать цвет имприматуры или подкладки, а осветление тона и блики передаются, как и в темперной и масляной живописи белилами.

Субъективные цветовые предпочтения прослеживаются не только в выборе и сочетании цветов, но и в величине цветовых пятен, характере и ориентации мазков. В популярном у нас двадцатичетырехцветном наборе завода «Невская Палитра», например, наибольшей прозрачностью обладает голубая ФЦ, кобальт синий – наименьшей, а ультрамарин занимает промежуточное положение. Таким образом, при лессировках, многослойной акварели, предпочтение стоит отдать голубой. Среди представленных зелёных красок – изумрудной зеленой. Из трех красных можно посоветовать краплак. Желтые кадмии не достаточно прозрачны, желтый полупрозрачен, а лимонный и оранжевый наиболее укрывисты. Но только собственным опытным путем, смешивая краски и изучая, какие сочетания дают грязь, а какие – необходимые цвета, отсутствующие в наборе, можно создать свою палитру, постепенно расширяя её ассортимент. Некоторые великие художники – акварелисты достигали тонкой изысканности цвета и многообразия оттенков, пользуясь крайне ограниченной палитрой. Томас Гиртин, например, пользовался всего пятью красками, последовательно накладывая их одну на другую и передавая тонкие градации цветового тона.

Не следует забывать слегка увлажнять краски перед началом работы. И каждый раз промывать кисть прежде чем взять новую краску из кюветы и иметь под рукой чистую тряпочку или салфетку для удаления с кисти излишков воды. Необходимо помнить, что с момента нанесения на бумагу до полного высыхания акварельные краски теряют до 20% насыщенности тона, поэтому следует писать ярче и насыщеннее, чем в натуре. И главное правило при послойном письме – не смешивать больше трех красок на палитре и не класть больше трех слоев на одно и то же место. Иначе накопленное связующее вещество не позволит бумаге просвечивать через красочный слой.

Завод художественных красок "Невская палитра" представляет серию мастер-классов по акварельной живописи с Еленой Базановой.

Поддержи проект!

Одна «чашка кофе» поможет существовать проекту целый месяц! Если вам нравится рисование, и наши статьи оказались вам полезны, поддержите нашу школу рисования!

Paypal:

paypal.me/ghenadiesontu

Яндекс.Деньги:

4100116350573968

"Алла Прима: все, что я знаю о живописи" - Ричард Шмид

"Алла Прима: все, что я знаю о живописи" - это книга-стандарт обучения искусству классического рисунка, книга, которую должен иметь на полке каждый уважающий себя художник. В ней вы найдете технические приемы и советы, которых вам хватит на всю жизнь. Автор книги, Ричард Шмид - выдающийся мастер своего дела. Он изящно ведет читателя сквозь основы и премудрости техник рисования, проясняет непонятные моменты и подбадривает тех, кто стремится выразить себя, независимо от уровня развития навыков.

Алла Прима

В технике Алла Прима нет жестко структурированной пошаговой последовательности действий, то же самое можно сказать про работы без подмалевка. Сейчас у меня даже не возникает вопросов, почему первым, самым важным и необходимым требованием к работе с натуры является четкий мысленный образ того, что вы собираетесь нарисовать. Без этого шага в вашей работе не будет ни капли искусства. Образ не должен быть детализированным, просто представьте вашу цель. Кроме того, мысленный образ является именно образом результата, а не просто желанием нарисовать что-то, потому что это вам нравится или конкретным физическим образом (например, дерево, лицо, цветок, цыпленок и т.д.). Противьтесь естественному желанию осязаемо представить ваш предмет. Вы должны представлять только цветные пятна и видеть границы, где один цвет переходит в другой. Это ключ к технике алла прима: увидеть цвет и освещение, а не предметы.

Поскольку время, которое я могу уделить работе, довольно ограничено, я должен придерживаться строгого, можно сказать делового ритма. Я без промедления (и без спешки) переношу важные элементы на холст. Я готовлю все материалы и инструменты заранее, чтобы не прерываться на поиск во время работы. Как только я начинаю работу, я концентрируюсь, стараюсь точно подходить к измерениям и оставаться в состоянии контроля. Я работаю с таким же старательным намерением, с каким рысь преследует свою жертву.

Мой способ

Как правило я начинаю с размывки пиненом, потому что так я могу избавиться от кипенно-белого цвета холста (см. «Начало», глава 3), затем я отмечаю, на каких участках будущей картины будут располагаться герои и предметы. В большинстве случаев я начинаю с того фрагмента холста, где будет находиться основной фокус картины: я стараюсь как можно точнее нарисовать там пятно необходимого цвета (именно так, как я его вижу – никаких непродуманных штрихов). Я стараюсь делать каждый последующий мазок настолько точно, насколько это возможно, а затем третий, четвертый и т.д. Я подавляю в себе желание ускориться, я придерживаюсь осторожного и неторопливого ритма. В каждое мгновение времени я концентрируюсь на одном участке холста, сравнивая и корректируя каждый мазок по отношению к предыдущему – таким образом я не допускаю появление на картине отвлеченных и непонятных цветов.

Я уверенно двигаюсь (по крайней мере пытаюсь двигаться) от одного точно нарисованного кусочка холста до другого, я никогда не бросаю фрагмент картины, если он не доделан по отношению к уже нарисованной части. По той или другой причине, этот способ не всегда работает так, как я задумал, но я стремлюсь к совершенству, и результат, по большей части, оправдывает мои ожидания. Конечно, случаются и ошибки. Моя самая частая ошибка – слишком большая скорость работы – я пытаюсь нарисовать все и сразу. Подобная тактика ведет к небрежности и неточности – мельчайшие штрихи и пятна цвета оказываются не такими, как нужно. Обычно я все порчу, когда хочу покрасоваться, а это не слишком хорошее оправдание. В своем обычном, сдержанном состоянии я после первых мазков кисти вхожу в режим «закончено-по-мере-готовности». Это значит, я могу остановиться в любой момент своей работы, но ее будет не стыдно кому-нибудь показать. Мне нравится такой вариант, потому что он позволяет мне остановиться на ранних стадиях, а это как правило хорошее решение. Менее законченные, но более сильные творения смотрятся выигрышнее, а все благодаря точности проведенной художником работы. В рисунке, как и в других аспектах жизни, лучше меньше, чем больше.

В заключение в книге "Алла Прима" Ричард Шмидт пишет:
" Где-то внутри каждого из нас есть бессловесный центр, часть нас, надежда на бессмертие, в некотором роде, часть, что осталась неизменной, когда мы были детьми, источник нашей силы и сострадания.
Это не имеет пределов, и как только вы вскроете ее, вы поймете, что у вас есть по-настоящему богатый выбор. Каждая картина содержит выражение благодарности за исключительную привилегию быть художником."

Ричард Шмид родился в Чикаго, штат Иллинойс в 1934 году. Американский художник-реалист, который получил классическое образование от William Mosby в Американской Академии Искусств в Чикаго. Занятия с ним научили работать исключительно от жизни, сначала с помощью концептуальных и технических методов Фламандских, Голландских, испанских мастеров, и, в конечном счете в конце 19-го века, Европейских и Американских художников. Акцент в каждом периоде был по Алла Прима, или Прямое полотно. Его награды включают Джон Сингер Сарджент Медаль " За Достижения на протяжении Жизни ", Золотая медаль от Американского Общества Художников Портретистов, почетная докторская степень от Лайма Академии, Колледж Изобразительных Искусств в Олд-Лайм. Сделал несколько обучающих видео, является автором нескольких книг, в том числе " Алла Прима ", " Все, что я знаю о Живописи ", которые получили международное признание.